关于音乐和歌的一些感想
2020-03-03 22:29:18 来源：范文大全收藏下载本文
关于音乐和歌的一些感想
中国的文化传统五千年没有中断，这是一部分人自豪的，也是另一部分人憎恶的，但不管怎样，这确实是个事实，中国人的脾气德行，几千年来总有一脉相承的地方，音乐也可以作个证明。
我们的音乐自古以来都受“西方”的影响。胡琴琵琶与羌笛，帮助唐人们醉死沙场了，喝醉人的酒或许还是那葡萄美酒。到了近代以后，西洋音乐当然大举进入了，而在音乐领域里，中外的文化冲突大概是最弱的，钢琴、提琴，国人们是并不怎么见外的，音乐到底是世界语言啊，我觉得在这一方面，我们中国人都是那样自然的开放派，或许这也是有历史传统的吧，因为我们老早就喜欢胡琴琵琶与羌笛了，老早就是“崇洋媚外”派的。
那么，从另一个角度来看，却也看出一个不怎么值得骄傲的现象，就是我们的各种细胞都发达，就是音乐细胞比较瘦弱，似乎总需要些外力的刺激，才能够活跃起来。换句话说，在文化的诸领域里，我们在音乐上的原创力是最低的。
这原因，我觉得一大部分和我们的汉语有关系。汉语是从象形文字那里传下来的，一个字一个音，方块字，它有一个那些表音的外语所不能有的特点，就是它能够像砖头一样排列得整整齐齐，这也造成我们的古典诗歌的一个基本的形式上的特点，四言、五言、七言，我们的语言文字可以做得到。想想英语，它就办不到，更别说俄语了，说个名字都要花半天。
这有一个什么结果呢？它造成我们的文学非常的发达，攫取了一部分音乐的阵地。因为，整齐的文字，实际上本身就构成了鲜明的节奏，使很多五音不全的人也借助于文字仿佛获得了音乐的力量。古往今来，我们的诗词写手是多得不得了，但真正懂得音律的却实在少之又少。因为，自从文字构成了节奏形式，它的源泉——音乐——反而就逐渐被忽视了。
音乐因此萎缩了，因为太多的人们已经满足于定型的节奏，他们热衷于在这些定型中填词。绝句、律诗、词牌、曲牌，这些就是节奏定型，它们原本是一首歌或一支曲子，可是当它们一成了“律”或“牌”，它们就固定了。从古到今，诗人们写了多少诗词？数不清，但词牌曲牌却是数得清的。相比之下，就那么几个而已。你看，在文学面前，音乐是多么可怜呀。
这种音乐的贫乏，至今也仍然很严重的。我记得好象在去年看过一个高晓松的访谈，此人到美国去混了一段时间，回来说话就牛逼起来了，他说的一个意思是，中国人根本不需要那么在意音乐的原创与否，因为晓松先生发现美国人的音乐太牛逼了，原创音乐到处都是，我们拿过来用就行，怕什么？只要把词填好就行。他说的大意就是这样。可见，我们的音乐原创力的贫乏已经导致了如此牛逼的自卑了。
甚至我们可以说，很多人其实已经不知道歌是什么了。
在整体的音乐概念中，歌，其实是应该单独地说的。甚至我觉得，歌，应该是音乐之外的一个专门的概念，而把音乐专指不涉及文字意义的纯音乐。简单地说，歌，它的首要特征不是音乐，而是歌词。所以，最本质的歌，恰恰不是填词的歌，而是谱曲的歌和词曲一起产生的歌。因为，填词必定是音乐在先，固定的节奏在先，然后按照节奏装进歌词，这就已经把歌词降低为音乐的奴仆了。而中国的古典诗词曲艺术，则因为实际上已经忘记了原初的音乐曲调，而完全演变为文学形式了。它已经独立地成为诗的艺术，而不再是歌。
最本色的歌，其实是把音乐加在语言上去，在日常的口语和书面语之外，创造出一种新的“语言”，或者说歌，就是音乐式的说话。因此，只要有不同的歌词，就会要求有不同的音乐，而不是相反，在一种音乐定型之下填出不同的歌词。当然，词和曲一起产生的歌也是本色的，但这样做的难度很大，因为语言的思维是跟不上音乐自然发展的，这就导致这样做很难写出丰富的歌词。这个其实每个人都可以轻易地体会出来，我们可以随便找一个话头唱起来，就可以发现，当音乐一开始的时候，旋律和节奏会按照它们自己的规律向前发展，而你的语言的思维却跟不上。所以这样的歌——特别一些民间山歌就是这样的——总是很简单，往往就是反复地唱几个字。据说最早的南方音乐就是《候人歌》，它的歌词就是四个字，两个实字，两个虚字——“侯人咿兮”，可以想象，当年那个歌女就是脱口而出，词曲一起产生的歌。
这样的歌在远古时代想必本是很多的，但后来孔夫子编辑《诗经》，他自己说是雅颂各得其所，我想，恐怕就是整理流传的歌曲，而加以定型，诗三百零五首，但曲调肯定没有这样多，恐怕也就像后代一个词牌产生许许多多的词一样，多首诗是共用一个曲子的。孔子的这个工作，当然好在为后代留下了文学的经典，但是它的另一面，就是音乐的开始萎缩。古代没有录音机，没有唱片，我们当然考证不出《诗经》中的音乐，但严重的是，浩如烟海的《诗经》研究著作的学者们，恐怕极少有从音乐问题上去考察《诗经》的，这也是音乐衰落的证明。
当然，音乐的细胞还在的，但它的活力却减弱了。人们对于音乐也就更容易满足，因为它在精神世界的地位本来就不是被看重的，甚至是可有可无的。所以，高晓松的牛逼话虽然很让人厌恶，但却是有根据的，在只要达到“音乐小资产阶级”的水平就可以满足的人们看来，没有必要在音乐里费力地创造，莫扎特和贝多芬已经创造了足够多的古典乐了，而欧美的流行音乐已经有足够多的原创作品了，我们只需要模仿一下，甚至抄袭一下，最多把提琴改为二胡，把吉他变成琵琶，整出一点所谓的中国风就够了。
而继续萎靡不振的是歌。填词的传统在继续着，变化只是在于，因为娱乐化和大众化的需要，填词的水平已经从姜白石和柳屯田降落到了周杰仑和方文山。已经离歌的本色很远了。受到非常肤浅的港台流行音乐（特别是香港）影响的歌词作者们，一下笔就无形中好象有了一个定型的节奏在套着他，非要把歌词写得整整齐齐，像一些古怪的五言、七言的打油诗。它们起了两种作用，一方面败坏了文学，另一方面继续败坏音乐，使中国人的音乐细胞继续萎靡不振。
再比较一下西方音乐，它的巨大的创造力也跟西方语言有关，和汉语正好相反，拉丁语这样的语言不能够搞得整整齐齐，所以一首歌的曲子很难再套用在另外的文字上，这恰好使得音乐的价值不受文学的掩盖。相比中国的传统，西方常常是这样的；一首优秀的诗，会激发众多的音乐家创作出不同的歌。但中国却常常是一首歌被定型下来，于是许多诗人为它填词，——现在是一首歌流行，于是许多人模仿它来写词——哪怕这些诗人根本就五音不全。结局自然很明显，前者激发了音乐的创造力，后者则使音乐萎缩。
总之，我想要说的就是，回归歌的本色。和自由的诗歌相对应的，应当是更自由的、更有创造力的音乐和歌
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