小学美术鉴赏范文
推荐第1篇：美术鉴赏
美 是 一 种 体 验
系
院：生物与化学工程学院
专
业：化学工程与工艺
姓
名：蔡晓亚
学
号：105010640030
上课时间：周日7-8节
什么是美?如果说要给美下一个确切的定义，我觉得是很难表达出它的神韵和内涵的。美是我们内心深处的最美好的东西，她是柔软的，她是无法言状的，只要我们用心去体会，我们就会体会到很多很多的美——大自然的美、人性的美、艺术的美、心灵的美、语言的美、意境的美······就像卡西尔说的“美的品格和本性根本不需要任何复杂而难以捉摸的形而上学理论来解释，美就是人类经验的组成部分”，是一种思想上的回归。
我是觉得，欣赏美和判断什么是美是一个人的本能，就像我觉得人本能是好奇的，喜欢未知的是一样的。我很想了解其他人是怎样看待美，分析美，特别是那些先哲们是怎样讨论美的，比如论语上关于美的经验的那句话，说一个人要先学诗，再学礼，可理解为先用最单纯的方式领会美，再知道规则，结合西方对美学的看法，我觉得很精妙。
柏拉图的理念论我以前有些了解，只是没有看过他对美的看法著作中的原话，他说美的背后有美的理念，我很早就赞同这种方式；当然他的理念论本身就是一个创举，在罗素看来，至少一点是现在都在用的，就是一个事物和其形式是不同的。
爱与美的关系，很多人都想过吧，因为美才爱，还是因为爱才美，我觉得对于亲历的具体事物这要是想清楚了，心理上会有踏实和深刻的感觉，然而却远离了最初的、单纯而美好的、最真实的东西，是可惜的——有很多事情都是知道的越多就越不好。是否得不到的东西，才想拼命追求；得到了反而放弃？人有很多天生的缺陷，是他自己无法克服的，这点可能就是吧。
说花红和花美从词性来讲是一样的，红是表达事物性质的形容词，美是表达主体情感的感叹词，表达花红时说红，表达花美时却可以说“啊”，一个“啊”字表达了对花的无以言表的赞美，我觉得非常贴切。
美是无处不在的，在漫长的历史中，各个时期的美术都具有鲜明的色彩，各个艺术家们用他们独特的体验展现他们对美的认识，并将他们眼中的美记录、流传下来让后人们品评、欣赏。
在中国传统文化积淀中的美术家们用他们的智慧创造出一幅幅精美绝伦的作品，用他们的体验阐释对美的理解。中国封建时代的人物画家中最著名的当推东晋顾恺之，他的《女史箴图》用笔如春蚕吐丝，紧动连绵，循环超乎，格调逸易，风趋电疾。唐代张宣的《捣练图》描写贵族妇女的风俗画。阎立本的《步辇图》描写文成公主与松赞干布这一汉藏两族通婚的史实。五代顾闳中的《韩熙载夜宴图》则描写纵情声色的贵族生活。另一幅杰出的作品是宋代张择端的《清明上河图》，他把汴河的繁华景象构成长卷格式的风俗画，汴河上的各种人物、景物无不具体而生动，真实的展示了当时的社会生活风貌，对古代工程技术也做了正确的描画，在绘画史上具有重要的价值。自南朝开始出现专门从事山水画的画家宗丙、王微，其后又有唐代张藻，把山水画又推进了一步，他们还都写下了山水画论，从此山水画在东方持续发展，直至今日。自五代以后则及其丰富，如荆浩的《国庐图》，关全的《关山行旅图》、《山溪待渡图》，董源的《潇湘图》；宋代巨然的《万壑松风图》、范宽的《雪景翰林图》、元代黄公望的《富春山图》等不列盛举。这些山水画都有博大与精微相结合的特色，体现着东方的上水美学观。画鸟画家有五代的黄荃、徐熙，宋代的赵佶、翟白、赵昌等。自汉魏发展起来的石窟壁画，以敦煌莫高窟为最盛，题材属宗教内容，但也不同程度的反映着时代思想和现实，显示出中古时代中国美术家的丰富想象力和创造才能。元代以后，文人画形成了中国美术史上的一个庞大而重大的一个支脉，实际上成为主流，他的流风余韵至今还有很大的影响。文人画强调画家要有画外功，即文学修养。宫廷美术，宗教美术，和文人画中有许多艺术的精华，具有很高的审美价值，是民族的精神财富。如此多的美术文化财产创造出了中国美术史的辉煌。从中我们不难发现，其实这些美术或者说艺术作品都是作者通过自己的体验展现出来的，这样的作品给人的美的感受是生动可感的，让欣赏这些艺术的人们能带着自己的体验进入其意境中感受艺术之美，寻找自己的体验和美。
对于我来说，我不像那些哲学家或者诗人那样对美有深刻的理解，但是我相信美是一种体验，只有自己体验了，自己才会有自己的认识和体会，才会对美有一定的认识和理解。 下面我就谈一下我对一些没美的体验、认识以及理解。
曾经见过这样一副画，苍白的流水，苍白的雾，还有雾中若隐若现苍白的树木，这样一副画，给你的或许是平淡的心境，可是入眼的那一刻，你难道不是震撼着的吗?在那一片苍茫中，你的灵魂你的所有悲欢在那一刹那间凝聚，然后淡开，就像那苍白的远山近水一样，慢慢晕开一片心的芬芳和涟漪。若非如此，它又如何进入你的心呢?所以是灵魂的触及还是视觉的流连，在乎你的心有多深入。就要看你的体验有多深，是否全身心的如入那种美的意境中。
我认为，大红大紫不仅仅只是火爆和性感，还有自信和智慧在里面。更甚者，你可曾体会到一个红衣女子渴望被安抚的软弱?红色是强有力的色彩，是热烈、冲动的色彩。约翰.伊顿教授描绘了受不同色彩刺激的红色。他说：在深红的底子上，红色平静下来，热度在熄灭着；在蓝绿色底子上，红色就像炽烈燃烧的火焰；在黄绿色底子上，红色变成一种冒失的、莽撞的闯入者，激烈而又寻常；在橙色的底子上，红色似乎被郁积着，暗淡而无生命，好像焦干了似的。教授的见解是源于他深刻的体验，正因为他有深刻的体验，他知道什么是真正的美，怎样去正确理解美，而不是停留在表层的认识。
以前见过一张照片，是一轮红日悬在山峰之上。有人说是朝阳，有人说是夕阳。我却坚持说是朝阳。他们断言是因为我内心喜欢朝阳的，所以才会主观臆断。其实是以为我觉得那轮红日太热闹了，没有夕阳的那份宁静致远。即使是在寂静的破晓，可是那份未经受雕琢和世俗的红，还是太热闹了。我是喜欢夕阳的，喜欢“一场愁醉酒醒后，夕阳却照深深远”的那种恍若隔世的淡然和出尘。也喜欢浓夏的傍晚，红日点燃滚滚红尘的爱和幸福，一切存在都变得珍贵，火一样的燃烧俗世，生命变得热烈而深刻。不过，我最喜欢的应该还是橘黄色落日。安静的，温柔的，像慈悲而悲伤的母亲，深情的凝视时间下的牵挂，为时间的所有存在和消失祈祷。这就是我的体验、我的感受，因为体验不同，所以认识不同，所以对美的事物的认识见解也就不同，但是那又有什么关系呢，美就是一种体验，我们可以有自己不同的认识，无需为了迎合别人而不忠于自己的体验和感受，只有我们忠于自己的体验和感受，这样的美才是真正的享受！
对于梵高，大家一定都不陌生，但是你知道他的金黄吗？以前我不明白他的向日葵为什么那么受欢迎，但是，看过他的大部分作品和听过他的平生之后，至少，我有了自己的理解，或许还是主观的吧。可是当我看到他的那一大片金黄之后，突然很感动，也觉得伤心。我想，梵高不停地，不停地用大把的金黄色来描绘他见到的一切，其实就是因为他追求一种存在的感觉。作为一个艺术家，不断地失败让他失去了存在的理由，可是作为一个热爱生命的人，他努力为自己争取更多的存在感。他把自己的一切都赋予了新的色彩，其实是因为他在努力平衡自己灰暗的世界。用金黄燃烧自己的理想和才华，用金黄装点自己干涸的世界，用金黄来填充内心的暗淡。他是那么努力地争取着，可是，当那一天，乌云满天，一个人的他一瞬间失去了积极的力量，灰暗迅速占领了他的意识。于是他挥笔画下了凌乱而纠缠的一团暗沉后自杀了。这只是我自己的理解，但是我看到了我自己想要的，这已经很好了。好的作品应该就是这样的吧，让不同的人得到自己的所需。这更加让我体会到，美是一种体验，需要自己去理解，而不是让别人告诉你美是什么，只有你自己体验了你才会真正明白什么是美，你想要的美是什么，这时你就不会在执着于美的概念于定义了，因为美没有确切的定义，不同的人有不同的理解，你想要什么样的美就需要你自己去体验! 美的形态十分多样，变化无穷，其性能各异，或较为显著，或隐晦而难以捉摸，但是它总是在潜移默化之中给人造成一定的影响。每个人都可以描述个人的审美感受，对不同的审美对象做出自己的判断，得出自己的体验。
推荐第2篇：美术鉴赏
美术鉴赏论文
2011-2012学年第一学期
美术鉴赏的社会价值
摘要：美术是人类文化的一个重要组成部分， 是社会存在的产物，它与社会生活的方方面面有着千丝万缕的联系， 作为人文学科凝聚着浓郁的人文精神，它担负着社会功能的角色，体现出认识功能、教育功能和审美功能。美术鉴赏活动作为一种美术实践，能帮助学生在欣赏、鉴别与评价美术作品的过程中，逐步提高审美能力，形成热爱本民族文化、尊重世界多元文化的情感和态度。古今中外优秀的美术作品，都具有深刻的思想内涵和强烈的人文精神，具备情节美、生活美、意境美，这些作品塑造出的典型形象从不同角度叙述着感人的情节，给人以震撼、给人以感动、给人以思考，使人们从中得到美的启迪和感情的升华。
关键词：美术鉴赏，绘画鉴赏，建筑艺术鉴赏，工艺鉴赏，人文精神的培养
美术可以反映现实生活的方方面面，艺术家通过对社会与自然的领悟来反映他们的情感、愿望、理想、幻想。因此，美术为我们提供了一个富有魅力的认识世界的途径。美术作品视觉传达效果是其他文字形式所不能达到的， 美术作品的内容、情节、形象、色彩具有特殊的魅力和形式美的内涵，对于人们有着强烈的吸引力，极易唤起人们的兴趣，人们由观看的兴趣进入美术欣赏的状态。
美术鉴赏是运用感知、经验对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象的活动。人们通过美术的学习更好地汲取不同时代美术作品中所蕴涵丰富的人文精神，而不断加深对人文精神的领悟，有效地形成和发展人们的人文意识。人的审美观念决定着人的审美活动。
人们通过广泛接触中外优秀的美术作品，不断深入理解美术与自然、社会之间的关系，使学生在文化情境中认识美术，开阔美术视野，形成尊重世界多元文化的态度和审美判断能力。
美术鉴赏的过程中人们站在社会与历史的角度，用人文精神的思考和美术的造型知识解读它们，既让人们从观察、分析、思考中学习美术语言中的线条、形状、色彩、构图等形式美知识，也让他们从观察中了解社会与历史、认识特定时代的政治与经济、领悟作品中蕴涵的内在美感， 得到了美的享受与情感的深华，产生对美术欣赏活动的兴趣， 更好地接受人类宝贵的文化遗产，促进智力的发展，激发创作热情与创造能力， 从而达到开阔的生活视野，扩大知识领域的目的。
美术鉴赏包含多方面的内容，例如，绘画鉴赏，雕塑艺术鉴赏 ，工艺、设计艺术鉴赏 ，建筑、园林艺术鉴赏，等等。这些内容丰富，形式多样的鉴赏项目极大地丰富了人们的视野。
说起艺术，使我想起来了我们中国的齐白石。从嘉德杨永德收藏齐白石作品拍卖专场的滑铁卢到2003年中贸圣佳白石山水册页1650万元的天价成交，齐白石的作品像是一架天平，衡量导引着中国近现代画作的市场走势，也标榜着收藏家与投资人的趣味和取向一直没有离开这位集 书法、篆刻、绘画、诗歌为一身的通才、大才。因为他是齐白石，也只有齐白石才会有着如此大的 感召力，而这种感召力之大正是基于白石老人艺术创作的伟大。这种伟大是一种至“简”至“朴”、至“拙”
至“厚”的，尤其是他的山水画，构图出奇出新，无常法而又合法，貌似平淡的笔调，大气磅礴、纯净明丽。在似与不似之间，把山水灵性的本质，或轻或重、或明或暗地表现出来，大开大合中又见细腻、朴素的善良与乐观的坚强。在白石老人的山水画中，每一笔似乎都含着家乡的泥土气息，每一根线条似乎都凝结着大自然的露珠，清新而华滋、深厚而通俗。白石老人的书法之好，在中国近现代画家中是少有的，好得让我再看白石以后“画家”们的字款简直不好恭维。白石老人专临“爨龙颜碑”，后学“郑文石碑”，五出五归后又学李北海、何绍基、金农和“天发神谶碑”。他的绘画成就如此之高是与他的书法水平高密不可分的。古往今来，大画家没有一个不是大书家，董其昌、八大山人、齐白石无不是这样的人物。他的字，气魄雄强而峻朗、舒峭，但不失拙意。他擅使长锋，故可以充分利用笔锋吸水墨多的特点，气贯而神完，一气呵成。由于有好的书法根底，在白石老人的作品中，几乎没有经不住推敲的线条，他的线条质量表现在：绵而挺。“棉里裹针”、细中寓柔、柔中见刚。润而满。不滞、不滑，骨力洞达却将霸悍之气藏于水墨之间不露痕迹。雄而强。他的字款在所有的转折处都是留得住笔、留得住墨的，特别是他书法线条的过渡，如锥画沙般的笔锋似乎能把纸切开。他的飞白也极有个人气质，特别是他的“撩笔”，峭拔中虽然略带习气。论及齐白石对近现代中国绘画的贡献，半个世纪以来，无论是美术史学界的专家，还是画家、收藏家，甚至普通的百姓，齐白石的艺术成就是公认的。齐白石就像一座高峰，就像一把标尺，他的绘画是中国画笔墨情趣的绝对体现，更是中国文人绘画近现代的高峰。他的绘画在走进市场后，更是当今中国艺术市场的晴雨表、风向标。
书画之妙，当以神会，难可以形器求也。世观画者，多能指摘其间形象、位置、彩色瑕疵而已，至于奥理冥造者，罕见其人”（《梦溪笔谈》卷十七）。900多年前，郭熙《林泉高致》诞生的时代，沈括发出了这样的感叹。历史进入二十一世纪，当代人与山水画的隔膜正在加深。在这样的背景之下，深刻认识山水画背后的中国哲学精神，重新审视当代人与山水画的审美距离及其成因，进而思考当代山水画家的文化使命，不仅仅是重要而迫切的时代命题，也会给当代山水画家的山水画创作带来新的启示。
一、以形媚道——山水画的文化渊源与哲学基础
儒家的道德感悟是与山水连在一起的。《礼记·中庸》云：“天地之道，博也，厚也，高也，明也，悠也，久也。”正是以山高水长来形容仁爱之道。同时，“仁者乐山，智者乐水。”所以，孔子心目中的理想境界是“暮春者，春服既成，冠者五六人，童子六七人，浴乎沂，风乎舞雩，咏而归”（《论语·先进》）。
“人法地，地法天，天法道，道法自然。”以老庄思想为核心的道家哲学更是崇尚自然山水。在这里，人与自然的关系是一种心灵相照、气息相通的所谓“天人合一”的关系。韩拙《山水纯全集》中认为：“默契造化，与道同机。”而庄子心目中的神人居“藐姑射之山”，“乘云气，御飞龙，而游乎四海之外。”则更是一种心游万仞的自如之境。老庄哲学，成为中国山水画最重要的哲学基础，历代山水画家几乎无一不受其影响。
二、曲高和寡——当代人与山水画的隔膜
中国的山水画是哲学的产物，是中国哲学派生出的心灵的艺术。在漫长的发展过程中，形成了一整套完整、规范、成熟的认知体系，并被整个民族所认同，成为中华民族的文化基因深植于国人血脉之中。然而从1840年到五四运动以来，当代人与山水画的隔膜正在加深已经成为越来越严重的事实。人文领域的“高级知识分子”读不懂中国画；掌握整个社会文化话语权的传媒考虑更多的是收视率和迎合大众口味，更是仅仅停留在“形、色”的表面，即黄宾虹先生所说的“外修”上；“有闲阶级”也把摆挂中国画当作附庸风雅的方式，更不用说普通大众了。山水画，在教育高度普及的今天，反而变得更加曲高和寡。
可以说，不懂书法，不懂中国古典文学，就很难真正理解中国绘画的笔墨韵味和精神境界。“味摩诘之诗，诗中有画，观摩诘之画，画中有诗”（苏轼）。在古代，只要是读书人，他们对书法，对古典文学就有一定程度的实践和浸染，这恰恰是体悟山水画的基础。而无论是书法还是古典文学，当代中国大部分山水画家在这两方面的修养都是缺失的，更不用说普通大众，这是当代人与山水画产生审美隔膜的一个重要的现实原因，这也再次提醒当代的山水画家，山水画创作绝对不能忽视对书法和古典文学的学习，对于山水画欣赏者而言，书法和文学也应该成为必修课。
“山川之美，古来共谈。”宋罗大经在《鹤林玉露》里更是指出：“大抵登山临水，足以触发道机，开阔心志，为益不少。”今天，与旅游热相应的依然是人们对山水的热衷，然而 “观山亦如读书，随其见趣之高下。”有多少人在登山临水的过程中还能够“触发道机”？“无听之以耳而听之以心，无听之以心而听之以气，听止于耳，心止于符。气也者，虚而待物者也。唯道集虚。虚者，心斋也。” （庄子在《人间世》）可以说，不能体悟庄子的思想，就很难进入山水画的境界。按照庄子的观点，不能以“听之以气”的虚静之心作审美观照，就不能欣赏“天籁”大美。实际上，如文章开头引用的沈括之言，“书画之妙，当以神会，难可以形器求也。”不能“听之以气”自然也就不能与自然山水完全合一，也就不能明白和感悟山水画的“奥理冥造”，于是只能更多的“指摘其间形象、位置、彩色瑕疵而已。”最终也就扩大了与山水画的隔膜。
所以，如何减小和消除当代人与山水画的隔膜，让山水画走进更多人的心灵和生活，成为一个十分紧迫的问题。它关乎中国哲学美学精神的真正传承，关乎中国人审美心理和国民素质的提升。而这样的审视，对当代的山水画家也同样有着特殊的意义，它也关乎当代山水画的创作与发展。
三、任重道远——当代山水画家应有的文化使命感
“正本清源”的“源”不仅仅是山水画艺术层面上的“源”，不仅仅是明清，是唐宋，甚至是春秋，它更是中国哲学和美学之源，是对“道”的体认。如龙瑞先生所言：“我们所谓的‘正本清源’，在很大的程度上，是对中国文化核心思想进行的还原。”而对画家而言，作品永远是最有说服力的语言。缺少这样的反思、体悟和承担意识，山水画的创作格调恐怕很难真正得以提升。
那么，当代的山水画家应该具备怎样的修养和艺术追求？时代呼唤和需要怎样的山水画艺术？画家如何进行自己的艺术探索并且承担自己的文化使命？这是很多具有反思意识的画家和学者所思考的问题。
首先，从某种意义上讲，一个中国艺术家的艺术历程，就是“以心求道”、“以艺合道”的过程。苏轼说：“吾所为文，必与道俱。”正是有了这种信念和坚守，中国文人和艺术家们忘我地在艺术和人生的道路上“上下求索”，“虽九死而犹未悔”。中国的山水画家才可以“代山川立言”，“与山川神遇而迹化”（石涛语）。所以，当代的山水画家应该具有清醒的文化意识和自觉反思能力。传统是当代山水画发展的“源头活水”，只有立足于传统，真正“融入当代”才会成为可能。中国画尤其是山水画是与西方绘画迥然不同的绘画体系，二者之间的最大差异是中国画的哲学性和精神性，这已经得到大家的普遍认可。真正悟道的境界，是“从心所欲不逾矩”的中庸自如之境，是“物我两忘”的“逍遥游”，是明心见性后的自然与空灵„„我想，倘若能够达到和进入这样的境界，便永远不会缺少艺术创新的灵感，这原本就是最伟大的艺术家所具有的心灵和创作状态。
其次，与对中国传统哲学的体认相对应，中国传统的笔墨精神不能丢掉，书法功力不可或缺。这个问题已经有过很多讨论，甚至是争论。可以肯定的是，笔墨不仅仅是技术，是中国符号，更与中国艺术的本质精神相通融。笔墨的世界其实是一个无限广阔和自由的空间，我们可以从中感受到“气”，体味到“韵”，从而使得整个画面混沦灵动，透露出强烈的音乐性，传达出象外之意，韵外之味。从点到线，从细微之处到浑然整体，山水画要呈现俊逸超拔的气韵生动，必须要籍笔墨之功。
最后，当代的山水画家要有一种“养吾浩然之气”的精神自觉。诚如陈传席先生所言：“我们的时代更需要的是汉唐的豪气、猛气、大气、厚气、健气，需要阳刚的正气。”在黄宾虹看来，深刻地认识和远大的抱负（“志于道”），正确的方法和执着的追求（“居于德”），端正的动机和良好的心态（“依于仁”）是大家之“气”的前提，有了这种“大家之气”，山水画创作上方能不落俗套。
总之，我认为当代山水画家不仅要有画人的功力，文人的情怀，还要有士夫的使命。如此，方能由画体道，由画证道，由画弘道。
推荐第3篇：美术鉴赏
美术鉴赏心得体会
姓名：李炳程 学号：2015011379 专业：经管应用经济学
本学期有幸学习了张景鸿老师的美术鉴赏这门课，我深感提高了我们当代大学生的艺术修养和审美，提高了大学生的素质，最根本的是提高了大学生的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于大学生的情感得到了陶冶，，思想得到了净化。品格得到了完善，，从而使身心得到了和谐发展，精神境界得到了升华，自身得到了美化。
我个人比较喜欢西方美术的作品，喜欢印象画派，印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫造作的浪漫主义。19世纪后半叶到20世纪初，法国涌现出一大批印象派艺术大师，他们创作出大量至今仍令人耳熟能详的经典巨制，除了这次来华展出的著名画作外，马奈的《草地上的午餐》、莫奈的《日出·印象》、凡·高的《向日葵》等更是鼎鼎大名。印象派画家走出画室，深入原野、乡村、街头写生，力求真实地刻画自然。
我尤其喜欢梵高的那幅巨作《向日葵》，梵·高笔下的向日葵，像闪烁着熊熊的火焰,是那样艳丽,华美,同时又是和谐,优雅甚至细腻,那富有运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时,无不为那激动人心的画面效果而感应,心灵为之震颤,激情也喷薄而出,无不跃跃欲试,共同融入到凡高丰富的主观感情中去。总之,梵高笔下的向日葵不仅仅是植物,而是带有原始冲动和热情的生命体。他曾多次描绘以向日葵为主题的静物，他爱用向日葵来布置他在阿尔的房间。他曾说过：“我想画上半打的《向日葵》来装饰我的画室，让纯净的铬黄，在各种不同的背景上，在各种程度的蓝色底子上，从最淡的维罗内塞的蓝色到最高级的蓝色，闪闪发光；我要给这些画配上最精致的涂成橙黄色的画框，就像哥特式教堂里的彩绘玻璃一样。”梵·高确实做到了让阿尔八月阳光的色彩在画面上大放光芒，这些色彩炽热的阳光，发自内心虔诚的敬神情感。堪称梵高的化身的《向日葵》仅由绚丽的黄色色系组合。梵高认为黄色代表太阳的颜色，阳光又象征爱情，因此具有特殊意义。他以《向日葵》中的各种花姿来表达自我，有时甚至将自己比拟为向日葵。我喜欢他那绚烂的色彩，,满怀炽热的激情令运动感的和仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力,色彩的对比也是单纯强烈
的。然而,在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。
虽然小时候就比较喜欢美术，但这种喜欢并不意味着我对美术有非常深刻的理解。我只知道美术会给人美的享受，让人完全沉浸在其中。当然了，前提是你喜欢它。原本以为美术就是指画家的画作。比如像那些水墨画、水彩画、油画和素描等。直到上了美术鉴赏课，听了老师的讲解，我才从这个狭隘的概念中走了出来，真正走进了美术的世界，也才真正认识到了美术的博大和内容之丰富。美术一词被我所理解，也正是上了美术鉴赏课以后。下面我就来谈谈对美术鉴赏课的感想：欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。
线条是美术最基本的造型手段，是构成视觉艺术形象的一种基本因素，无论平面的还是立体的作品；不论是写实，还是装饰；不论是抽象的，还是具象的„„在长期的美术发展过程中．“线”作为美术家创造形象和表达自己思想感情的艺术语言，一直处于十分重要的地位，并越来越显示出丰富的表现力及艺术美感。中国著名绘画大师吴冠中的《山水》一画，皴染不多，主要以毛笔线条勾勒，但其中线条流畅自由，轻重虚实的变化，随意性较强，具有浓厚的抒情意味和鲜明的时代感。法国后期野兽派大师匀蒂斯的《红沙发上的注女》（油画）以简洁概括、富子感情色而又极富装饰件的线，极为和谐、简练地勾画出一个呼之欲出的少女形象。
美术鉴赏课走进大学校园是为了更好的培养大学生，提高大学生的素 质，最根本的问题是要提升大学生的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。
第一：美术鉴赏有益于大学生灵魂的雕铸和人格的完善。艺术教育注重开发和挖掘人自身的潜能，并致力于培养人的自尊、自信、自爱、自立、自强意识，不断提升人们的精神文化品味和生活质量，从而不断提升人的生存和发展能力，促进人的全面发展与完善。人的全面发展，正如恩格斯所认为的那样，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是一专多能的素质型发展。鉴于此，大学生的艺术素养已经日益融入时代的潮流之中，倍受人们的重视与关注。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕铸和人格
完善的全面发展中起着重要的作用。
第二：满足大学生的审美需要，提高和培养审美能力。在美术鉴赏课上，通过大量地、广泛地鉴赏优秀艺术作品，就会逐渐具有和提高感受美、理解美的能力了。这里不单单是提高学生的鉴赏水平问题而是如何发展学生的价值取向问题。提高学生对美术意义的认识，培养我们正确的审美理想，健康的审美情趣，提高对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力。
第三：陶冶大学生的思想情操、提高大学生的精神境界。通过美术鉴赏对美和艺术增进理解，无疑对提高文化素质和思想境界，都会产生不可估量的作用。
第四：帮助大学生开阔眼界，扩大知识领域。在这种鉴赏活动中，是美术作品为我们提供了种种与他人产生共鸣的经历与感受，能够以一种艺术的眼光和态度看待周围的一切事物，并获得一种全新的洞察力。
第五：美术鉴赏可以娱情怡神，激发想象力培养创造性。通过鉴赏不仅使人视觉愉悦、心情舒畅，更在于美术作品都是通过点、线、面、色彩、空间、肌理等形式组成，所以画面上的节奏感、韵律感会对人的视觉产生影响，进而使人产生联想。因而，当我们在鉴赏美术作品时，不管是遇见那些赏心悦目的写实作品，还是一些现代派艺术家的抽象作品，都会使我们获得一种喜悦与满足。对美术作品鉴赏的过程中，也更能促进身心健康的发展，陶冶情操激发创作热情与创造能力。
总而言之，作为美育的重要组成部分，大学美术鉴赏课的开设，对提高大学生的素质，培养创新精神和实践能力，塑造健全人格具有不可替代的作用。通过美术鉴赏课的学习发展大学生形象思维，培养创新精神和实践能力；树立正确的审美观念，培养高雅的审美品位，提高人文素养，提高感受美、表现美、鉴赏美、创造美的能力，促进德智体美全面发展。为培养文明合格的下一代，具有重要的意义。
推荐第4篇：美术鉴赏
我说课的内容是人美版高中课程标准实验教科书——美术鉴赏第6课《漂亮是美术鉴赏的标准吗——艺术美和形式美》。我主要从教材分析、教法运用、学法指导和教学过程四个步骤加以阐述。
一教材分析：
1、教学目标：①什么是美术作品的艺术美和形式美②美术作品的艺术美和形式美的基本原则及其在作品中的主要表现。
2、教学重点：美术作品的艺术美和形式美并不完全是现实的直接反映，也不等同于人们一般所说的“漂亮”或“好看”，而是由艺术家借助美术的特定语言、手段和法则创造出美术自身的美，而这种美又是多样的，即不同类型的美术作品由于艺术家所采用的语言、材料、手段等不同而产生的艺术美和形式美就大异其趣。为了说明这一点，在这里就必须紧紧围绕美术的语言元素和语言规则两个方面来讲解，因为美术作品的艺术美和形式美主要就是通过它们来实现的。
3、教学难点：主要在于美术作品的艺术美和形式美既是具体的又是抽象的。应特别注意对概念的讲解，并在概念与作品之间建立联系，即注重通过作品来讲解概念，以使学生对美术作品的艺术美和形式美的认识有形象的依据。
这里的难点还包括对美术作品的艺术美与形式美之间异同的讲解，课文中并没有特别给予说明，只是在课文的第三部分简要地指出了这个问题，美术作品的艺术美和形式美之间既有重合的地方也彼此独立。艺术美包括内容与形式两个方面。也就是说，艺术美是由内容与形式的统一来实现的。而形式美更强调实现内容的手段，即手段本身的美，其中包括语言的构成关系和所使用的材料的特质。
二、教学方法：
1、利用图片展示介绍知识，吸引学生注意力，使学生在兴趣中学习。
2、充分利用多媒体教具和图片，不断采用欣赏·启发·归纳相结合的教学方法。
三、学法指导：
1、引导学生采用观赏观察、实践、讨论、归纳的方法学习，用多媒体展示相关音乐和建筑图片，并巧妙导出本课。
2、讨论法，小组合作法。通过学生的小组合作，解决学生的个别差异，要求全组同学共同讨论。
四、教学过程：
一、导入：用多媒体展示雕塑图片《欧米艾尔》。
小结：美术作品的艺术美是艺术所特有的美。美术作品是由艺术家创造出的不同于现实生活的第二自然。它的美不同于一般人的“漂亮”或“好看”的审美观念。这种根深蒂固的观念不仅影响了人们对美术的认识，也有碍于对美术作品的鉴赏。
二、新知探究：环节
一、什么是艺术美，它有哪些表现？
美术作品中的艺术美不等同现实在的“漂亮”和“好看”，而是通过特定的美术形象表现出来的艺术自身的美。艺术美又称第二自然。是相对自然美来说的。
1、美术形象：指一件美术作品中个别的、具体的、完整的艺术形象，也是指一件美术作品中由这种个别的、具体的、完整的艺术形象所形成的综合的整体的艺术形象。
教师活动：投放多媒体图片《艾普色姆的赛马》和《记录马奔跑过程的连续摄影》。结合第三课“艺术形象”这一概念进行讲解。
学生活动：欣赏图片，小组讨论，分析美术作品的艺术美。
环节
二、什么是形式美：如何理解和把握形式美：
美术作品的形式美的构成：A、语言元素（点、线、面、色）及其构成的形态变化。B、语言手段（明暗、空间，透视、构图、肌理）及其所构成的审美意象。C、语言规则（变化与统一，对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律等）及其所构成的审美关系。
教师活动：投放潘天寿的作品《雄视》，讲解什么是形式美，指出美术作品的艺术美和形式美既相互包含、渗透又彼此具有独立性。
学生活动：欣赏图片，理解美术作品的形式美。
三、拓展：提高实践能力
1、以一件作品为例深入分析作品的形式及其形式美。
2、通过具体作品了解艺术美和形式美在形态上的差异。
四、要点回顾：
1、什么是艺术美？综合了主观与客观、个人审美与时代精神的艺术形象为“典型形象”或“艺术典型”，又根据它与现实生活的关系而称之为“第二自然”，即“艺术美”
它有哪些表现？
2、什么是形式美？美术作品除了艺术美之外还有形式所传达出的美，既形式美
如何理解和把握形式美？
五、课堂小结：总结回顾：这一节课我们了艺术美和形式美，了解了什么事艺术美和形式美。
推荐第5篇：美术鉴赏
《美术鉴赏》课程论文
论文题目：
星夜下的梵高
学生姓名：
专 业： 软件工程
班
级：
学
号：
成 绩：
星夜下的梵高
《星月夜》是后印象主义画家梵高的油画名作。后印象主义是19世纪末法国美术史上继印象主义之后的一种美术现象，代表画家主要有塞尚、梵高、高更等。他们刚开始都是学印象主义的，后来又都认为绘画不能仅仅像印象主义那样去模仿客观世界，而应该更多地表现画家对客观事物的主观感受。后印象主义的画家完全抛弃了自然主义的态度，动摇了西方绘画中以模仿为职能的根基，将绘画引向一个更新奇、更加渗透着强烈情感的主观世界，为20世纪西方现代诸美术流派提供了可资借鉴的范式。
文森特·梵高是继伦勃朗之后荷兰最伟大的画家。他一生短暂坎坷，历经磨难，极富悲剧意味。他27岁时才开始绘画，在短短十年间创作了大量作品，却几乎从未能觅得买家,只能长期依赖弟弟提奥在经济上和精神上的支持。最后，这位天才式的画家用自杀的方式结束了自己孤独、贫困的一生。
《星月夜》是梵高无数幅著名作品中的一幅，独特的风格让人一眼就可以认出是梵高的作品。这是一幅带有强烈的主观情感的作品，画家以奔放的类似火焰般的笔触，描绘了夜空中奇特的月亮和星星。全画的色调呈蓝绿色,画家用充满运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触表现星云和树木;在他的笔下,星云和树木象一团正在炽热燃烧的火球,正在奋发向上,具有极强的表现力,给人留下深刻的印象。
这幅画无论是笔触、造型还是色彩都是典型的梵高特色。
在笔触上，无论是天空翻卷的漩涡状的星月，还是天空下的植被、山坡及近景的灌木丛，梵高都用一些厚重的、条状的、散涂的颜色一笔笔的排开，笔触和笔触间不加融合。这种方法是受到了印象派的启迪，但是，梵高却涤尽了印象派那种优雅轻松之感，进而加进了自己的力度和厚度。
在造型上，为了强化自己的精神，梵高加强了创作中的主观作用。她让一切事物在他眼中都依照自己的性格和要求发生轻微而有力的扭曲和变形。如火焰一般的灌木丛，如大海中的漩涡一样的星光与月光，都是现实中不曾有的，这都是画家本人独特的精神世界中的物象。
在色彩上，补色、纯色是梵高从印象派那里据为己有的用色方式。但是印象派那种温柔细腻、软绵绵的色彩，在梵高这里变成了一种深刻有力的呐喊，一种无法言表的精神的颤动。金黄色、深蓝色、橙色、绿色、紫色„„画中的色彩都是梵高一生钟爱的颜色，它们在画中仿佛一些凝固而孤独的圣者，象征着光辉、生命和永恒的神秘。在《星月夜》里，造型已经不是梵高的目的，梵高唯一的目的就是色彩。
线条也是梵高最经常运用的语言。《星月夜》中呈现了两种线条风格,一是弯曲的长线,一是破碎的短线。二者交互运用,使画面呈现出眩目的奇幻景象。这显然已经脱离现实,纯为梵高自己的想象。
梵高的艺术中那种狂放不羁的风格，那种充满激情的色彩，那种畅神达意的线条，脱却了自然物象的束缚，而进入了颇为自觉的艺术状态，尽管梵高的艺术在其生前未能得到社会的承认，但却受到了20世纪现代艺术家们的青睐，尤其对野兽主义绘画产生了极大影响。
梵高的艺术是伟大的,然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识,其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在代的前面,的确难以被当时的人们所接受。但他的画对后世影响及其深远，法国的野兽主义,德国的表现主义,以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像画都受到了梵高的启发。
这幅画中呈现两种线条风格,一是弯曲的长线,一是破碎的短线。二者交互运用,使画面呈现出眩目的奇幻景象。在构图上,骚动的天空与平静的村落形成对比。柏树则与横向的山脉、天空达成视觉上的平衡。全画的色调呈蓝绿色,画家用充满运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触表现星云和树木;在他的笔下,星云和树木象一团正在炽热燃烧的火球,正在奋发向上,具有极强的表现力,给人留下深刻的印象。
星光灿烂的夜空也许是文森特·梵高最有名的画作。独特的风格让人一眼就可以认出是梵高的作品。Don Mclean曾献给文森特一首著名的同名歌曲\"Vincent\"又名\"Starry night\"。
挚爱深夜的梵高在圣-雷米的初期(1889年6月)所画的这幅\"星月夜\"是梵高深埋在灵魂深处的对世界的感受。在这件作品中, 闪烁于碧蓝色夜空中的星星, 格外夺人眼目。每一颗大星、小星回旋于夜空中, 新月也形成一个漩涡, 星云与棱线宛如一条巨龙不停地蠕动着。暗绿褐色的柏树像一股巨形的火焰, 由大地的深处向上旋冒; 山腰上, 细长的教堂、尖塔不安地伸向天空。所有的一切似乎都在回旋、转动、烦闷、动摇, 在夜空中放射艳丽的色彩„„(世界名画与巨匠) 这幅油画是他所画的为数不多的,不靠直接观察对象,而用虚构的形与色,凭想象创造某种气氛的作品中的一幅。《星月夜》这幅画,画着一些入睡的小屋,丝柏从下面伸向深蓝色的天空；一些黄色的星与闪光的橘黄色的月亮形成旋涡,天空变得活跃起来。这是体现内心的、最紧张的幻想,是发泄无法抑制的强烈感情的创造性尝试,而不是对周围大自然平心静气研究的结果。(《后印象派绘画史》美,约翰·雷华德着) 这幅画,展现了一个高度夸张变形与充满强烈震撼力的星空景象。那巨大的、卷曲旋转的星云,那一团团夸大了的星光,以及那一轮令人难以置信的橙黄色的明月,大约是画家在幻觉和晕眩中所见。对梵高来说,画中的图象都充满着象征的涵意。那轮从月蚀中走出来的月亮,暗示着某种神性,让人联想到梵高所乐于提起的一句雨果的话：“上帝是月蚀中的灯塔”。而那巨大的,形如火焰的柏树,以及夜空中象飞过的卷龙一样的星云,也许象征着人类的挣扎与奋斗的精神。
在这幅画中,天地间的景象化作了浓厚、有力的颜料浆,顺着画笔跳动的轨迹,而涌起阵阵旋涡。整个画面,似乎被一股汹涌、动荡的激流所吞噬。风景在发狂,山在骚动,月亮、星云在旋转,而那翻卷缭绕、直上云端的柏树,看起来像是一团巨大的黑色火舌,反映出画家躁动不安的情感和狂迷的幻觉世界。
推荐第6篇：美术鉴赏
美术鉴赏课・心得体会
记得高中的朋友，她学绘画（素描）时，就觉得要是哪天能为自己的母亲也描一幅画那应该很不错吧！不过，没有机会学习，所以好像是不可能了，至少现在没有这个能力。上美术鉴赏之前，觉得应该老师上课是教我们作为一个参观者怎么样去欣赏一件美术艺术品或者是美术之类的作品吧！但好像事实不是那么的简单，原来上课时，更多地讲关于世界著名时期或者地区的美术发展史，当然，期间免不了会涉及怎么看一件美术品的价值。（就像一位老师说，每个人都喜欢音乐，但不是每个人都喜欢上音乐课）
第一节课，老师给我的印象很深刻，你说了很多，记住的当然不是全部。当时下课之后我就对朋友说，这个老师说话很有深度、有趣（要是什么都有了，我们就不会觉得快乐了。没有问题的学生是不堪造就的。尝试着说第一次，也许会说错，但是第二次就会了。没有不争论的观点。这个牛画得怎么样啊？„„有人还看不上说他画的不好,那你上来试试看你画的怎么样,反正我是没有他画的好。无信仰就没有精神生活，是很可怕的等等）。当然作为一个学生，肯定喜欢有深度的老师。而且，上课讲的通俗易懂，直到我们听懂为止。美术鉴赏的含义。美术（造型艺术），它的涵盖很广，只要看得见的用眼睛耳朵等能够欣赏的艺术都叫美术，如：绘画，建筑，雕刻，摄影，书法，电影，时装，舞蹈等等，其中前三个是主要的。鉴赏，鉴定鉴别欣赏。而雕刻又包括圆雕和浮雕（因材料不同而分类的）。
史前美术（30000-30000BC），主要是石器（对称性突出）和洞窟壁画，其伟大之处在与创造。（中国唐代的人物绘画大多是身子庞大脚短，这是一个时期的绘画特征）。开始的绘画，是单纯的动物：牛，后来发展了有牛还有人造的物（箭），再后来有人，牛，和其他动物，体现了人的介入，通过视像来讲故事。而关于女人的意象的雕塑，大肚子，体现了人对发展的一种迫切渴望。
古埃及的艺术，主要在两河流域，爱琴海等地。古埃及的建筑金字塔（陵墓），反映了埃及人对先人的一种崇拜，和对死亡的一种态度。专制者的陵墓极其重要。（每个人都怕死。恐惧是因为我们不知道死亡好不好）。通过古人的雕塑可以看出他们对人的特征的刻画是惟妙惟肖。他们的黄金面具，体现了当时人们看来微笑的重要性。每个雕塑都有一个微笑的表情那么生动。
希腊古典时期的雕刻，运动状态下的平衡静止还有一种庄严肃穆。命运之神，体现了也许没有胳膊没有脸，但是它的美并不因此而减少，这就是希腊人对人的美的一种体现。拉克希特例斯，体现了和谐不是把所有的好都放在一起，而是一种组合。同时艺术家，对男人的比例分配各有不同的美：1/8和1/7。知识的普及，世界上最出名的艺术博物馆：罗浮宫博物馆，而断臂维纳斯就坐落于此，是其主要的收藏，充满了希腊式的古典精彩的雕塑，其完美在于残缺的地方与整体的修复刚刚好给人留下现象的空间（古代艺术的遗传都有一种残缺美），之后出现了修复学。高卢人，这一雕塑的雄伟不屈与勇敢体现了战败的高卢人的民族特性很崇高，而塑造这一雕像的人，就利用了战败了的这种伟大来体现自己的更加强大，这就是艺术的体现。维纳斯的美是庄严典雅神性美，而一般美女的雕塑是现实中的美的体现，是温柔可爱亲切，都是美，只是美得不同而已。
古罗马建筑，早在两千多年前就建成了城市输水系统。竞技场是古时斗兽和决斗的地方。凯旋门，一种纪念意义，当时只有胜利的军队才有资格从凯旋门经过接受人们的欢呼。纪念柱，带状浮雕往上走。罗马的雕塑是求事实真实世界。命运三女神，体现了人们对女人的三种品质（智慧、美丽、善良）的向往。
古典绘画的欣赏，（古典：过去很长一段时间的一个地方的经典的好的不能被超越的作品），这里主要指欧洲15C-18C的绘画。（文艺复兴时期的绘画体现了人们对其宗教信仰的刻画是崇高的，因为他们认为，神，不能和人长得像，那样就亵渎了神，女神的眼睛好似一个无底的被子承载者世人的血泪和辛酸。）而文艺复兴之后的绘画则改变了人与神的关系，所以绘画发生了转变。乔托的画，圣母，其特征是优美，爱，更接近与现实的人。这种写实绘画，体现了美术涉及多方面：解剖学（绘画的比例），光影来塑造形体，透视学（近大远小），这样的绘画更逼真清晰（利用规律）。维纳斯的诞生，就体现了古典美的风范。到达芬奇时期就把这一古典美发挥到极致了。威尼斯派则体现了艺术追求的是一种享受，色彩光焰亮丽轻盈挑逗。
山水画，是一种传统，是隋唐至晚清时期时的一种绘画样式以自然风光为主题的。在隋唐之前的山水画主要是：人大与山，水不容半的原则，大战至隋唐时出现了新的尺度：山大人小，这就接近了现在的山水画。中国与西方的绘画差别，主要在于来源上，中国的文化“人与自然的和谐”体现了中国的绘画灵感来源于山水自然，就算是人们赞赏一个人时都以山水为意象的，而西方的绘画来源于女子。
短短七周的时间，要说真正学到知识，那可能有点困难，不过要说没学到那也不是，只是真正关于美术方面的知识也许过了一段时间就给忘了，但是有些东西是忘不了的，精神。老师传达的：诚实精神，和不强求别人做他不喜欢的事，这个我倒是感触很深。（作为师范生，以后的教学生涯，要有自己的教学原则）
推荐第7篇：美术鉴赏
学习美术鉴赏心得体会
姓名：李文军
学号：200910502035 内容摘要：这学期学习了美术鉴赏这门课程，我感觉提升了我们当代大学生的艺术修养和审美，提高了大学生的素质，最根本的问题是提升了大学生的精神境界。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生得情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。
关键词：素质提升 开阔眼界 审美 精神境界
短暂的美术鉴赏课程就这么告一段落了，我仍有种意犹未尽的感觉。本学期，我选修了“美术鉴赏”这门艺术学科。原因其实很简单，我从小就非常喜欢美术方面的东西，对这些看似神秘的艺术形态十分好奇，很想从这课程当中得到一些艺术的知识与熏陶。通过对美术作品的鉴赏不仅可以学到美术知识，更重要的是可以培养创造美的能力。对我们的性格、感情、人生观和价值观等方面都有非常重要的意义，也可以培养我们的积极性和主动性，使艺术素养以及人文修养得到进一步的提升。
通过这几个星期的短暂学习，我收获良多。美术鉴赏使我开阔了眼界，也使我领略到了美术领域的独特魅力。人类生活的世界是极其广阔的，生活内容无比丰富，但对每个儿人来讲，不管他如何见多识广，也不可能体验到社会生活的一切方面。然而，借助于古今中外许多优秀的美术作品，却可以使我们形象地接触到许多人生与经历远远不能涉及的广阔领域。
在美术上，我国发展的尤为迅速，从古到今，山水画、人物画、花鸟画等描写的是淋漓尽致，发展是非常值得我们骄傲的。对我印象最深的是由北宋的张择端费劲精力所作的一幅惊世之作《清明上河图》。《清明上河图》具有极大的考史价值，北宋年间的卞京，城内河流贯通，交通发达，为全国水陆交通中心。汴京城中有许多热闹的街市，街市开设有各种店铺，甚至出现了夜市。逢年过节，京城更是热闹非凡。为了表现京城的繁荣昌盛，张择端选择了清明这个重要节日的景象进行了详细的描述。
美术在现实生活中到处可以感受到，一张桌子、悬挂的衣服等等，这些随处可见。学习了美术鉴赏课，让我受益匪浅，对生活粗略的观察也变得细心起来了。我渐渐的发现原来生活那么美好，有事观察一棵树，我会呆呆地看很久，放佛自己身临其境。
美术鉴赏课走进大学校园是为了更好的培养大学生，提高大学生的素质。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕塑和人格完善的全面发展中起着重要的作用。满足大学生的审美需要，提高和培养审美能力，在美术鉴赏课上，通过大量地、广泛的鉴赏优秀作品，就会逐渐具有和提高感受美、理解美的能力了。这里不单单是提高学生的鉴赏水平问题而是如何发展学生的价值取向问题。提高学生对美术意义的认识，培养他们正确的审美理想，健康的审美情趣，提高对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力。陶冶大学生的思想情操、提高大学生的精神境界。
通过学习本课程，可以使我们了解更多的美术知识，提高我们的美术鉴赏能力，培养我们的艺术审美兴趣，而这对提高我们的全面素质起着十分巨大的作用。
推荐第8篇：美术鉴赏
他既有国破家亡之痛，又两次跪迎康熙皇帝，并与清王朝上层人物多有往来，内心充满矛盾。
石涛号称出生于帝王胄裔，明亡之时他不过是三岁小孩，他的出家更多的只是一种政治姿态，这与渐江的\"受性偏孤\"是不同的，石涛的性格中充满了\"动\"的因素，因而他身处佛门却心向红尘。康熙南巡时，石涛曾两次接驾，并山呼万岁，并且主动进京交结达官显贵，企图出人头地，但权贵们仅把他当作一名会画画的和尚而已，并未与之计较，故而攻败垂成。因此他是在清高自许与不甘岑寂之间矛盾地渡过了一生，好在他聪明绝顶，巧妙地把这种矛盾发泄到他的画作之中，所以他的作品纵横排闼、闪转腾挪，充满了动感与张力，这也正是他异于常人的高明之处。）石涛工诗文，善书画。其画擅山水，兼工兰竹。
石涛对后世影响极大，作品历来为藏家所钟爱，历代石涛赝品也经久不绝，但大多技艺低劣，属“皮匠刀”的笔法，很容易辨真伪。但现代画家张大千曾精研石涛，仿其笔法，几能乱真，他有不少仿画流传于世，极难分辨。张大千笔力不如石涛厚重，线条也较光滑，这是不同之处。
石涛《细雨虬松图》欣赏
石涛（1641一1718），清代书画家，本姓朱，名若极，明靖江王赞仪的第十世孙，出家为僧后释名原济，一作元济，又号石涛，清湘老人，苦瓜和尚，瞎尊者等。善花果兰竹，兼工人物，尤擅山水，画名极盛。其画力主“搜尽奇峰打草稿”，构图新奇，笔墨雄劲纵恣，淋漓酣畅，深得元人意趣，气概风神为同时代诸家所不及。传世作品有藏于上海博物馆的《梅竹双清图》，藏于故宫博物院的《焦菊图》等。 石涛在美术史上还是伟大的画学理论家，他的一部《石涛话语录》光照千秋，真可谓字字珠玑。他又是理论与实践相结合的典范，他不在故纸堆中讨生活，以拾古人牙慧为能，而是借古开今，开拓出属于自己的艺术世界，这种精神一直被后人所追崇。
石涛的山水不局限于师承某家某派，而广泛师法历代画家之长，将传统的笔墨技法加以变化，又注重师法造化，从大自然吸取创作源泉，并完善表现技法。作品笔法流畅凝重，松柔秀拙，尤长于点苔，密密麻麻，劈头盖面，丰富多彩；用墨浓淡干湿，或笔简墨淡，或浓重滋润，酣畅淋漓，极尽变化；构图新奇，或全景式场面宏阔，或局部特写，景物突出，变幻无穷。画风新颖奇异、苍劲恣肆、纵横排奡、生意盎然。石涛善用墨法，枯湿浓淡兼施并用，尤其喜欢用湿笔，通过水墨的渗化和笔墨的融和，表现出山川的氤氲气象和深厚之态。有时用墨很浓重，墨气淋漓，空间感强。在技巧上他运笔灵活。或细笔勾勒，很少皴擦；或粗线勾斫，皴点并用。有时运笔酣畅流利，有时又多方拙之笔，方圆结合，秀拙相生。
石涛作画构图新奇，无论是黄山云烟，江南水墨，还是悬崖峭壁，枯树寒鸦，或平远、深远、高远之景，都力求布局新奇，意境翻新。他尤其善用“截取法”以特写之景传达深邃之境。石涛还讲求气势。他笔情恣肆，淋漓洒脱，不拘小处瑕疵，作品具有一种豪放郁勃的气势，以奔放之势见胜。对清代以至现当代的中国绘画发展产生了极为深远的影响。有《搜尽奇峰打草稿图》、《淮扬洁秋图》、《惠泉夜泛图》、《山水清音图》、《细雨虬松图》、《梅竹图》、《墨荷图》、《竹菊石图》等传世。著《苦瓜和尚画语录》，阐述了他对山水画的认识，提出一画说，主张“借古以开今”，“我用我法”，和“搜尽奇峰打草稿”等，在中国画史上具有十分重要的意义。
在石涛的传世作品当中，这幅《细雨虬松图》是相当出色的。首先在技法上有别于其它。这件作品创作于石涛45岁前后，这个时期石涛的个人风格已经逐步形成，作品追求苍劲繁密、厚重奇崛，而这幅《细雨虬松图》却是清朗秀逸，细腻谨严。在用笔上取法李公麟、倪瓒，以及梅清，又具有强烈的个人面目，在秀雅之中不失凝重。山石树木用墨笔勾勒，线条果断干净，具有强烈的书法韵味。整幅作品只是在极少处略加皴点，用淡淡的赭石与花青色对画面加以润色，显得既典雅而又别致。其次在景物的布局安排上也别具匠心。一架木桥沟通了两座山，一位头带风帽的老人正在桥上执杖缓行，从那佝偻的脊背看去，可以想像此老该是垂暮之年了。后山山腰处，有一人临窗而坐，像是在等候着什么人，此情此景让观者赫然明晰，这曳杖老者大概是去探访在山中隐居的朋友吧。在这秋色宜人的时节，到幽静的青山碧水间去拜会故友，这该是一件多么令人惬意的事情。画中的树木很多，或挺拔直立，或盘曲错节，形态各异，生动自然。石涛是表现大自然的高手，他以自然为师，从不在古人的成法中亦步亦趋，也不为标新立异而故弄玄虚，他继承前人的长处，从真山真水中汲取营养，捕获灵感，借古开今，提出“我自为我，自有我在”的创作口号。这种以自我为中心，以表现自己的真实情感为创作目的，既切合实际又具有远见卓识的创作态度是极为难得的。在这幅画的右上端有作者的一段文字记述：“泼墨数十年，未尝轻为人赠。山水杳深，咫尺阴荫，觉一往兴未易穷，写以赠君。予尝有句云：‘细雨霏霏远烟湿，墨痕落纸虬松秃’，能入鉴赏否？！时丁卯夏日，子老道翁出宋罗纹纸，命予作画,风雨中并识于华藏下院。清湘石涛济山僧。”从这段文字中我们可知，丁卯年，石涛正在扬州。“华藏下院”有可能就是当时扬州著名的寺院“天宁寺”。据《扬州画苑录》记载，该寺址因旧传有梵僧驮跋陀罗尊者在这里翻译《华严经》，所以寺中有“华严堂”和“藏经堂”以及东西下院。文中提到的“子老道翁”应该是石涛的好友卓子任（尔堪），他和石涛同是著名诗社“春江社”的社友，《桃花扇》的作者孔尚任还通过他向石涛索过画。石涛应卓尔堪的请求创作这幅画，是因为“子老道翁”出示了一张难得的宋罗纹纸，佳纸难得，所以激发了石涛的创作情趣。此作无论是在整体布局还是细微之处都是精益求精，一丝不苟。 剩水残山
款识：大涤子阿长。钤印：收尽奇峰打草稿、靖江后人
石涛禅学修养既深，早年居黄山，与梅清友善，画法亦受梅清影响。及至由宣称迁居金陵八年之久，又南北壮游，兼之在京师眼界大开，最后回扬州时已是画艺臻妙，连梅清都反过来学他，以致声名远播。此画即是作于此后不久，所盖“收尽奇峰打草稿”一章，亦表示不同于四王的摹习之法，代表著石涛的独立之精神。
《剩水残山》无论笔墨技法，还是画中意境，都是石涛精心之作。且书法亦有较高造诣，与画面相得益彰。石涛早年学颜真卿，后又改攻汉隶，并于钟繇、二王功夫最深，兼工诸体。此画题画诗隶书用笔从容大度，灵活多变，多有韵致。石涛为图写景，题诗其上，诗画双绝，自然天成。
这幅画的布局精巧，以色补墨，淡赭渲染，把深秋的凉意和萧瑟都展露无遗。画面中虬松交枝错叶，穿插有致，自右下方拔地而起，延伸到画面的中间部分，三颗松树前实后虚，笔墨层次分明。临水有一座亭子，亭中一人独坐。水景用留白来表现，不著一笔，却感觉静水深流，流淌不息。山中藏有房屋数间，各种树木遍布山腰，虚实相间，浓淡交错，画面自然生动，不为法拘。其中一峰耸立，打破了整体的平静，把观者的视觉带到了峰顶，一览纵山小的气魄展现无余。远处淡墨渲染的远山，氤氲缥缈，恍如仙境。整幅画气魄雄伟，恣肆奔放，刚劲雄浑，沉著痛快，达到了力辟混沌的自由境界。水墨把握极佳，缜密空灵，苍润兼济，耐人回味。石涛善用墨法，枯湿浓淡兼施并用，尤喜用湿笔。运笔灵活，或细笔或粗笔，多方拙之笔，为其晚年精妙之作
17世纪欧洲代表画家－－委拉斯开兹
委拉斯开兹，全名迭戈·罗德里格斯·德席尔瓦-委拉斯开兹（1599年6月6日－1660年8月6日）是文艺复兴后期西班牙最伟大的画家，对后来的画家影响很大，Goya认为他是自己的“伟大教师之一”。对印象派的影响也很大。生于塞维利亚城，当时是西班牙对外贸易的重要港口。由于对外贸易发达，经济繁荣，文化艺术也随之迅速发展。
西班牙17世纪的大画家，是西方艺术的巨人。他所接受的自然主义风格为他在描绘生活人物和静物时所表现的敏锐观察力提供一种语言。对16世纪威尼斯绘画的研究使他从一个忠于真实再现与形象特征的高手发展为当时独一无二地创造出视觉印象杰作的大师。透过丰富多变的用笔与微妙和谐的色彩，他达到形式、质感、空间、光线和气氛的完美统一，使他成为19世纪法国印象主义的主要先驱。
个人文献的数量非常有限，有关其绘画的官方文献也相当罕见。因为他很少在他的作品上签名和标上日期，对其作品的考证和日期编排总是只能以风格的证据为基础。他的肖像画的多幅复制品显然是由助手在他的画室中完成的，他自己的产量并不很高，留存下来有他的亲笔签名的作品数量不超过150幅。一般认为他作画的速度很慢，晚期身为马德里宫廷官员，事务工作占去其大量的时间。 很多绘画，提香对他的风格发展的影响超过其他任何艺术家。腓力四世的全身肖像(1626?,现藏普拉多美术馆)与他的兄弟唐．卡洛斯王子的全身肖像(1626?,现藏普拉多美术馆)按提香所奠定的西班牙王室肖像画的传统所绘，在一定程度上也有他自己风格的影响。委拉斯开兹在塞维尔绘画中的细节描绘和暗色调主义在这些肖像画中被减弱了，只突出面部和手，明亮的背景衬托出深色的人物。在他的晚期宫廷肖像画中，委拉斯开兹在某些方面吸收法兰德斯巴洛克派大师鲁本斯(1577～1640)更精细的装饰和更丰富的色彩，委拉斯开兹是于1628年在鲁本斯第二次访问西班牙宫廷的时候与他相识的。委拉斯开兹画的酒神，题为《醉汉》或《酒神的胜利》，似乎是受提香和鲁本斯的启发，但是他处理题材的写实主义手法则是典型的西班牙风格，这种风格贯穿着他的一生。
【宫娥】
这幅画在１６５６年刚完成时题名为《国王之家》。画的是画家在画室作画时的室内一瞥：中央的小主人公——国王的女儿玛格丽塔刚进入这间画室，前来观看画家为其父王和母后画肖像。周围有宫廷侍女护拥着，背景深处有一门，光线似乎从这一扇门外透入室内。在这间显得杂乱拥挤的画室里，画家有意把入室的宫女摆成随意的位置，好象这些人物是偶然走进画面的。他在前景左侧画了一个侏儒宫女和一条卧地而坐的大狗，最右侧有一个小侏儒正伸腿去踢那条狗。左侧在小公主身旁的宫女正蹲下来给公主送上一杯水。在小公主左手一边的一个小宫女，手提撑裙欠身地向她请安。后面还有两个次要人物，即宫内的侍从，似乎在说着什么。
画家以薄而淡的笔调表现了小公主身上那个玫瑰色撑裙，质感分明，颜色鲜艳。金黄色的头发衬托出她的嫩脸上几根淡淡的青筋。她似乎先看了看画面，然后再侧过脸来瞧瞧画外远处被画的父母亲。我们从背景墙上挂着的那面镜子里看到了国王与王后的上半身影子。画家本人也入了画，他站在大画布前，整个大半身被画得很清楚。几双眼睛的视线都投向画外，使观者产生了联想，从而也扩大了绘画的空间。
再从色彩处理与光暗表现上看，画上的背景阴暗部分是灰褐色。后面进入强光的敞门处，用的是象牙白。这使画面中景的小公主的头发与裙服受到光照，有利于画家把大撑裙的丝织品的质感与细巧的做工明显地展现出来。她身旁两个宫娥的衣着颜色较暗淡，左边是青灰色，右边变为鼠灰色，而靠近前景的那条狗是富有暖意的赭黄色，其他人物，由于屋内光线不足，都是暗黄或暗绿色。凡承受光线的地方，色调稍亮些，银灰色随环境而出现。因此，全画仍以小公主身上的颜色为中心。画家身上的色彩最深，其余和谐统一，相得益彰。
在这画上，委拉斯凯兹充分运用了粉红、银灰、娇嫩的柠檬黄和宝石般的翠绿色，使之交织合成为一首宫内色彩交响曲。这是一幅多人物的情节性的肖像画。委拉斯凯兹以现实生活为典型来概括处理这个场面，充分显示了这位现实主义大画家的写实功力。
推荐第9篇：美术鉴赏
1、原始美术包括洞窟壁画,岩画,雕刻,建筑等.
2、法国南部拉斯科洞窟—“史前的卢浮宫”.
3、西班牙北部阿尔塔米拉洞窟—“史前的西斯廷教堂”.
4、陶器的出现，是新石器时代的主要特征之一。
5、埃及的艺术被称为“来世的艺术”.
6、中国四大石窟：云冈石窟、龙门石窟、敦煌莫高窟、麦积山石窟
7、古希腊美术按时间顺序依次是：荷马时期、古风时期、古典时期、希腊化时期
8、卢浮宫三宝:《萨莫色雷斯的胜利女神》《米洛斯的阿芙罗底德》、《蒙娜丽莎》
9、文艺复兴三杰的艺术特色与三大杰作:
达·芬奇：深沉、含蓄、富有理智、充满智慧
米开朗基罗：博大、雄伟、富有激情、充满力量
拉斐尔：优雅、秀逸、和谐、高度的完美
《最后的晚餐》、《末日审判》、《雅典学院》
10、扬·凡·埃克注重研究光与色,并对油画技法做了重要改进.
11、丢勒是德国文艺复兴时期最伟大的艺术家，被称为“自画像之父”.
12、鲁本斯——将宏伟华丽的巴洛克艺术风格与尼德兰民族艺术传统融为一体,形成了具有浪漫主义倾向的独特风格。
13、巴洛克艺术的特征：
华丽性；浪漫性；激情性；运动性（灵魂）；空间性；综合性；浓厚的宗教色彩；
有一定背离现实生活的倾向（主要缺陷）
代表人物：贝尼尼，鲁本斯
14、17世纪意大利三大艺术流派：代表人物及代表作？？？
学院派艺术—倾向于上层社会,影响了后来的古典主义.
巴洛克艺术—倾向于上层社会,为此后的罗可可艺术和浪漫主义美术的启蒙者.
卡拉瓦乔主义—主张把目光对准下层人民的生活;影响了19世纪的批判现实主义.
15、伦勃朗是荷兰伟大的现实主义大师，被誉为“带镜子的画家”.
16、法国新古典主义又称革命古典主义.形式虽然是古典的,但内容是革命的。代表人物:大卫,安格尔
17、安格尔的格言:“在一切形中,最美的是圆形.”
18、罗可可
源于法文“罗卡伊尔”,原意是“贝壳装饰”或“岩状装饰”.它是一种高度技巧性的装饰艺术,表现为纤巧,华丽,繁琐和精美,多用S形和旋涡形的曲线．被称为罗可可的艳情艺术主宰了18世纪前半期,它以上流社会男女的享乐生活为对象,描绘全裸或半裸的妇女和精美华丽的装饰.它一方面不免浮华做作,缺乏对于神圣力量的感受,另一方面却以法国式的轻快优雅使绘画完全摆脱了宗教题材.
代表画家:华托《舟发西苔岛》,布歇《沐浴的狄安娜》,弗拉贡纳《秋千》
19、浪漫主义的特点：反对学院派的原则,重感情轻理性;重视色彩而轻视素描;不满现实,追求幻想.
代表人物:席里柯,德拉克洛瓦.20、德拉克洛瓦被誉为“浪漫主义的狮子”。
21、印象主义代表人物：马奈、莫奈、雷诺阿、德加．
22、19世纪现实主义美术的基本特点:1848——1870年是法国现实主义大放光彩的时代，人们渴望在艺术中看到自己生活的时代。
（1）强调艺术要有时代的特色.
（2）强调艺术的真实性和客观性,反对主观臆造和粉饰现实.
（3）强调要有浓郁的生活气息.
代表人物:库尔贝,米勒,杜米埃.
23、马奈是印象派的精神领袖,他最早打破传统的棕褐色调,使画面明亮,有外光新鲜感的画家.
24、莫奈善于画水,有“水上拉斐尔”之称.被誉为“印象派之父”。
25、新印象主义的代表人物：修拉《大碗岛星期天的下午》
26、后印象主义的代表人物:高更（厌世逃避，象征性的绘画语言和原始感“综合主义”）,凡高（激愤的，富有激情的线条和色彩“扑向太阳的画家”）,塞尚（注重物体的结构美，表现事物的内在生命“现代绘画之父”）.
27、新印象主义的艺术主张：
一是废除在调色板上调色．主张把原色一点点地用科学的规律排列在画面上，让人眼去混合色彩，从而产生对色彩的感觉，所以它也叫科学的印象派；
二是主张画面具有永恒和稳定的特点，不是一瞬间的．
局限性：常常像一张张剪纸，人物缺乏立体感，有几何图形的特色。代表人物修拉。
28、高更独创了综合主义，代表作品《我们从哪里来?我们是什么?我们往哪里去?》
29、凡高被誉为“扑向太阳的画家”.30、塞尚被誉为“现代绘画之父”也称“现代艺术之父”.
31、野兽主义是一个很松散的特别注重发挥纯色的作用，强调色彩的表现力。代表人物：马蒂斯，卢奥等人。
32、立体主义否定了从一个视点观察事物和表现事物的传统方法，把三度空间的画面结成平面的，两度空间的画面。代表人物：毕加索和勃拉克。
33、《亚威农少女》被誉为是第一幅立体主义作品，它标志着立体主义的诞生，同时也被认为是传统美术和现代美术的分水岭。
34、《出乐园》
1426-1427年
马萨乔 亚当和夏娃收到毒蛇的诱导，偷吃了伊甸园的禁果，被上帝逐出伊甸园。
《出乐园》描绘亚当夏娃被逐出伊甸园的情景，人物已经开始人自身注重结构比例和形体的表现。画中的夏娃和亚当身强力壮，有血、有肉、有情感，他们正走在通往人间炼狱的路上，对为偷吃禁果而被逐出乐园深感悔恨，而天使正从远方追来……
本画对光影的运用是一个创造，人物解剖结构准确，富有体积感和空间感
35、《圣母之死》
1605-1606年
油画，纵369厘米，横245厘米
卡拉瓦乔 这件作品亦称《圣母玛利亚升天》，是一幅宗教题材的作品。但在这幅作品中作者所描绘的圣母与以往的画家们的圣母却不一样，本来圣母的题材是非常神圣的，但这件作品却不是。作品描绘的是一个破烂的农舍小台子上，躺着一位久病无钱医治而死去的中年妇女，她被穷困糟蹋得头发蓬乱，面容憔悴，死时连一双鞋袜都没有，赤着一双脚，躺在一个小木床上，圣母的躯体有一半还伸在床外吊挂着，逼真地再现了一个意大利穷苦家庭的悲剧。前景那位垂首哭泣的少女像失去母亲般地伤心，她是圣徒抹大拉。使徒们被描绘成从各方来奔丧的亲朋友邻，一个个掩面落泪，悲痛不已。
画面的明暗对比表现得很强烈，这种处理，使黑暗的背景为这幅画增添了死亡的悲哀和气氛的凝重。洒落在圣母上半身的光线，在暗色背景的衬托下显得更为明亮，使圣母的形象更突出。四周哀悼的人群在明暗交替中层次分明地逐一展现在你的眼前，从而显示出空间的深远。
36、《梅杜萨之筏》
1818-1819年 491*716厘米 ，席里柯1816年7月，法国政府派遣巡洋舰“梅杜萨号”，载着400多名官兵以及少数贵族前往圣·路易斯港。率领舰队的是一名明显缺乏实际能力的舰长，由于他指挥错误，在途经西非海岸的布朗海岬南面时不慎搁浅，造成了惨重的灾祸。
大海上漂浮着一只岌岌可危的木筏，海风鼓起床单做的桅帆，巨浪掀起的木筏在不停地颠簸。筏上的难民有的已奄奄一息，有的还在眺望远方。被簇举在高处的人挥舞着手中的红、白色布巾，不断地向远方呼救。
基本构图形式是两个倾斜的三角形，表现了落难的人们处于严重危机和存有一线希望的对立统一。而为了表现落难旅客们各种不同的心境，以及一些复杂的情绪，席里柯综合运用了线与形的视觉效果。并且通过人们的动态形成的上升的金字塔形的构图，有层次有节奏地把人们由死亡、绝望、痛苦挣扎升华到希望得救的激情上，他们之间的形式起伏变化，形成了静与动.低潮与高潮的各种对比。加上森严的色调，强烈的光影对比，更增强了这一悲剧事件的气氛和震撼人心的力量。
37、《自由领导人民》
1830年 德拉科多瓦 325*260厘米
1824年查理十世即位。由于他实施暴政，企图恢复封建王权，以致主张解除众议院、取消资产阶级选举权。限制出版自由而遭到了人们的强烈反对。1830年7月27日，巴黎终于爆发了声势浩大的“七月革命”。起义大军占领了王宫。推翻了波旁王朝。
硝烟弥漫中的巴黎圣母院；拿起刀枪勇敢拼杀的工人、农民、学生、知识分子和退伍军人，好象他们为了自己心目中的“女神”——共和国——不惜牺牲自己的生命；而这位美丽、健壮，胸部丰满的自由女神正赤着脚，一手拿着枪，一手高举着象征“自由、平等、博爱”的三色旗，踏着保皇党的尸体带着现实中的人们为自由而战。
争取自由的主题，强烈奔放的激情，丰富的光色效应，丰动态的构图，奔放有力的笔触，大胆的想象，寓意的手法，这一切就是这一作品的主要成功之处。
38、《宫娥》
委拉斯贵支1656年
318×276厘米
这幅高度达3米的作品，画面的每个物体与实物同等大小， 展示了宫中的日常生活，在宁静的宫廷中，委拉斯凯兹正在为国王夫妇画像，这一对夫妇的形象在对面的一块镜子中反映出来，就在这个时候，小公主玛格利特突然到来，引起了人们的一阵忙乱。
这幅画有两个特点，一是它具有风俗性的特色，从生活的情趣出发来描写宫廷中的日常生活；同时，也揭示了这样一个事实，生活在宫廷里的人们并不快乐。他们受着枯燥礼仪的拘束，连高贵的小公主也是这样，她失去了儿童应有的天真，也必须保持仪态，摆出一种矜持的姿势。另一个特点，画家打破宫廷肖像固有的原则，并没有像传统绘画那样把国王夫妇摆在画面的中心，而是把他们放在一个次要的位置，这样的构图是很大胆的，多少有一点随意性，他的这种做法是宫廷肖像画的一种改革，画面上的人物不再是呆板地排列在一起，而是尽量处在自然的状态之中，从门及侧面窗子射进来的自然光运用得很出色，光线均匀地散布在室内的每一个角落。
39、《格尔尼卡》
1937年 作者毕加索，作于1937年，壁画，尺幅349.3×776.6厘米 此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作，是表现战争题材且具有纪念意义的作品。画中表现的是1937年纳粹德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行。作为一个具有强烈正义感的艺术家，毕加索对于这一野蛮行径表现出无比的愤慨。他仅用了几个星期便完成这幅巨作，作为对法西斯兽行的谴责和抗议。
整幅画用黑白灰三色绘成，错综复杂的黑白灰色块造成画面阴郁、恐怖。不规则的线条形成的角和弧的交错，给人一种支离破碎和*的感觉，画面沉重又压抑，充满了悲剧色彩。它控诉了法西斯的罪恶，对战争带给人们的灾难表示了悲哀和同情。
1.现实主义名称来源于《画室》。
2.马奈是印象派的精神领袖,他最早打破传统的棕褐色调,使画面明亮,有外光新鲜感的画家.代表作《草地上的午餐》。
3.莫奈善于画水,有“水上拉斐尔”之称.被誉为“印象派之父”。代表作《印象日出》。 4.雷诺阿代表作《包厢》。
5.野兽派的主将是马蒂斯，代表作《红色中的和谐》。6.立体派代表人物毕加索。
7.塞尚被誉为“现代绘画之父”也称“现代艺术之父”.。塞尚注重物质的具体性、稳定性和内在结构的表现，对立体主义、构成主义等有较大促进。 8.《麦田上的乌鸦》是梵高去世前的最后一幅作品。 《威伦道夫的维纳斯》3分
时代：旧石器时代晚期的作品。2分
背景介绍：这是一尊很小的雕像，高仅11厘米，距今2万年左右，是1909年在修筑铁路过程中发现的。2分
雕像的头部被卷发所覆盖，面目五官不清。细弱的双臂下垂被双乳排挤在两侧，硕大的乳房从胸前垂挂对称式的压在腹部，粗壮的大腿向下逐渐变细连接小腿，足部省略。这种造型很可能是作为神灵偶像，插在松软土地上以供崇拜。5分 原始人创造了这样一个神圣的生育神的形象，就等于控制了人工生育能力，这种会生育的妇女形象，在原始人心目中是理想的爱与美的女神。所以，有些美术史家将这一雕像称作“威伦道夫的维纳斯”。3分
以下图片分别是《出乐园》、《圣母之死》、《威伦道夫的维纳斯》、《梅杜萨之筏》、《自由领导人民》、《宫娥》、《格尔尼卡》、
推荐第10篇：美术鉴赏
墨虾 齐白石 纸本 水墨 纵67厘米 横36厘米
约20世纪40年代晚期
齐白石擅长花鸟画，花鸟画是以动植物为主要描绘对象的中国画传统画科。通常又分为花卉、翎毛、蔬果、草虫、畜兽等支科。按其技巧也分为工笔花鸟画和写意花鸟画。
中国花鸟画在两汉六朝时初具规模，经唐、五代、北宋、，花鸟画完全发展成熟。明末的徐渭、清初朱耷以及海派花鸟画······可以说，经过数千年的发展，中国花鸟画积累了丰富的创作经验，形成了自立于世界民族之林的独特传统，并在近现代产生了齐白石这样的花鸟画大师。中国花鸟画集中体现了中国人与作为什么客体的自然生物的审美关系，具有较强的抒情性。同时也是时代、社会、人文以及艺术家思想感情的印记与体现。
以齐白石为代表的中国现代花鸟画家，他们在继承传统的基础上，勇于创新，以其高度精炼、质朴、刚健的画风，给20 设计中国画注入了健康的生命力。
《墨虾》是我国现代杰出画家、书法家、篆刻家齐白石的代表作。在齐白石的“水族四杰”中，以描绘游虾最具特色。齐白石的墨虾，纯以浓淡不同的水墨为之，用笔准确，笔法多变，充分展现了游虾的生命活力。
画家在画中画了五只游虾。四只在画的下半部分，靠的比较近，最下面两只墨色较深，越往上的虾颜色越浅。墨色较深的虾似乎比较凶，比较有力量，似老虾。而颜色较浅的虾则给人幼嫩的感觉，更活泼可爱。下面四只游虾似乎聚在一起嬉戏抑或交流什么，而上方的那只游虾正往下方游来，要参加虾群的游戏之中。齐白石画的五只虾皆圆润饱满，显得它们更加活泼可爱，活灵活现。
齐白石画虾，正如其所言：“吾画虾几十年始得其神。”
“人们都喜欢我画的虾。可是这几笔虾也是经过几十年长期功夫才得其精神的！”这是齐白石对胡橐所说过的话。齐白石画虾确实经过深入的观察研究，亲自养虾数载，终得其神。
齐白石所画的《墨虾》是其多年观察所得的传神之作。齐白石《题画虾》有这样一段文字：“余画此幅，友人曰：君何得似至此？答曰：家园有池，多大虾。秋水澄清，常见虾游，深得虾游之变动，不独专似其形。故余既画以后，人亦画之，未画以前，故未有也。”从这些文字中可看到，艺术家通过对于草虫、水族等深入细致的观察，并转换成简笔写意这一特殊的表现方式。他经常注意花、鸟、虫、鱼的特点，揣摩它们的精神。他曾说：“为万虫写照，为百鸟张神，要自己画出自己的面目。”也正如他所说到的“作画在似与不似之间为妙，太似为俗媚，不似为欺世”，在“似与不似之间”的提炼与升华，脱略形迹，离形而以神会求似，正是源自于对自然现象的观察与把握。
齐白石画的虾亦非常传神，用墨画虾，其形在似与不似之间，而其神却异常独到。 齐白石画作很重视写生，常常是反复观察对象，掌握其生活规律，才动手画。这幅《墨虾》，画中活灵活现的，透明、跳动的游虾刻画得极其逼真。如果同真虾相比较，只有虾的头、须和足等细部可以看出是经过了画家的提炼与取舍。艺术家将生活中的形象夸张、取 1
舍，给人以美的享受，而且回味无穷。
齐白石画的虾，情态自然，让人喜欢。当我看着墨虾时，很自然地就想到美丽的大自然，清澈的水流，静谧的，游虾也是静静地游动，偶尔聚集起来，偶尔游散开去。想到这些美丽的自然就情不自禁的喜欢起它来了。画面上五只虾或聚或散，或动或静，或进或退，形态各异，笔墨或浓或淡，或曲或直，墨色淹润，线条之间的交叉，前后层次极分明，特别是线条的变化令人叹为观止。仔细看去，虾须似乎充满着弹性。在虾群们向左下方聚集的游动中，须向后弯曲，却阻止不了向前的行进方向。而每只虾由于它们游动方向的不同，虾须的方向、曲度、长短和交叉各各不同，呈现出“乱而不乱”的艺术特征。作者调节画面的手段足以令人叹服。
从整体评价，齐白石这时画的虾，已经超越了古人。但是，齐白石是大师，不满足超越古人，他要攀登新的高峰。他发现，这时画的虾，精神不足。问题出在哪里，齐白石不清楚。齐白石68岁时对虾的形象作了最重大的一次改动，虾更精神了。此后，齐白石继续追求笔墨的简练。到了71岁时，对虾的形象作了最后一次改动，虾的后腿由6对变为5对。标志着对虾的改造最后完成。
许多著名人士曾对齐白石赞美有加。 黄宾虹：“白石画，章法有奇趣，其所用墨，胜于用笔。” 徐悲鸿：“白石先生以嵚崎磊落之才，从事绘事，今年85岁矣，丹青岁寿，同其永年。北平陷敌八载，未尝作一画、治一印，力拒敌伪教授之聘，高风亮节，诚足为儒林生光。”
徐悲鸿《中国今日之名画家》：“齐白石之长处，在有色彩，一往直前，无所顾忌，惟多红而少绿，或其性格所尚。写昆虫突过古人。其虾、蟹、雏鸡、芭蕉，以墨写者，具体物精微，纯然独创。”
叶浅予：“齐老提出‘不似之似’的理论，可以理解为‘具有神似特征的形似’，也可以理解为‘形似之极，妙在神似’。······齐白石说得很清楚，‘太似为媚俗，不似为欺世’。目的还在于‘似’，不过这个‘似’不是表面现象的形似，而是集中概括于精神状态的神似。”
沈一默《南歌子》：“昔摊黄宾老，今悲白石翁。百年画苑起秋风，到处虾须蟹眼得相逢。国际声名重，人间岁月丰。不随湘绮旧楼空，始信年门客胜王公。”
电子信息工程 马敏兰
第11篇：美术鉴赏
微软中国
《中西方绘画艺术作品比较赏析》
—《中西方山水话对比》
微软用户 2014/6/11
专业：工商管理 班级：1303 姓名：蒋妍 指导老师：李雅娟
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【内容摘要】中西方绘画艺术在观念和表现上有着差异和趋同性，通过中西方绘画作品内容、形式的对比，以及中西方艺术观念差别的简单描述，最终认识到中西方在差异和区别之上的共同目标。中国非常强调人与自然的调和，认为自然先于人类而存在，人是自然中后生的一部分；而西方则认为人是自然的主人，自然为人类而存在。这种观念的差异，表现在艺术中，就形成了不同的艺术主张，在艺术实践中，形成了不同的传统和风格。中西方世界观、艺术观等方面虽然有着差异，但毕竟是生活在同一片蓝天下的人类，必然存在着相似或共同点。一件艺术品，内容方面的因素有主题、题材等，不同的内容决定了作者采用不同的形式，同样的内容可以有不同的表现形式，而不同的内容也会有相类似的表达方式。美术史上的大量事实，展示了中西方艺术作品中形式与内容的复杂关系。美术史上的大量事实，展示了中西方艺术作品中形式与内容的复杂关系。
【关键词】中西方；黄公望；富春山居图；梵高；星空
【正文】 第一部分
在“元四家”中，若论对后代山水画发展影响最深广的，无疑是黄公望。他年资最高，直接受教于赵孟頫，从五代荆浩、关仝及北宋李成启学，所以画的品格极高。元代画家开始以纸为画本，赵孟頫的《水村图》已见干笔皴擦，元画灵动松秀的笔墨已然初具，而黄公望享年85岁，至其晚年则纸本水墨的技法已经炉火纯青。其《富春山居图》，可以说是代表其晚年风格的经典之作。
《富春山居图》始画于至正七年(1347)，于至正十年完成。是元代著名书画家黄公望的一幅名作，世传乃黄公望画作之冠，以浙江富春江为背景，全图用墨淡雅，山和水的布置疏密得当，墨色浓淡干湿并用，极富于变化，是黄公望的代表作，被称为“中国十大传世名画”之一。为纸本水墨画，宽33厘米，长636.9厘米，是黄公望晚年的力作。
黄公望，字子久，号一峰，工书法、通音律、善诗词，少有大志，青年有为，中年受人牵连入狱，饱尝磨难，年过五旬隐居富春江畔，师法董源、巨然，潜心学习山水画，出名时，已经是年过八旬的老翁了。黄公望把“毕生的积蓄”都融入到绘画创作中，呕心沥血，历时数载，终于在年过八旬时，完成了这幅堪称山水画最高境界的长卷——《富春山居图》。它以长卷的形式，描绘了富春江两岸初秋的秀丽景色，峰峦叠翠，松石挺秀，云山烟树，沙汀村舍，布局疏密有致，变幻无穷，以清润的笔墨、简远的意境，把浩渺连绵的江南山水表现得淋漓尽致，达到了“山川浑厚，草木华滋”的境界。
明朝一位名为吴子问的收藏家得到真迹后，爱不释手，至死不能割舍，嘱咐焚烧此画殉葬。他的侄子趁他昏聩时把画抢了出去，但已经烧掉了三四成。重新裱装修补后变成了两段，前段面积为31.8×51.4厘米，后段面积为33×636.9厘米。前段画幅虽小，但比较完整，后为浙江收藏家吴湖帆所得并于解放后捐献给浙江博物馆；后段则修补较多，目前被收藏在台湾故宫博物馆。据说前段还曾与一幅伪作同时入过清宫，自诩长于画作鉴定的乾隆皇帝将伪作定为真品， 实图如下：
在“元四家”中，若论对后代山水画发展影响最深广的，无疑是黄公望。他年资最高，直接受教于赵孟頫，从五代荆浩、关仝及北宋李成启学，所以画的品格极高。元代画家开始以纸为画本，赵孟頫的《水村图》已见干笔皴擦，元画灵动松秀的笔墨已然初具，而黄公望享年85岁，至其晚年则纸本水墨的技法已经炉火纯青。其《富春山居图》，可以说是代表其晚年风格的经典之作。至元四年，黄公望79岁，一次从松江归富春山居，偕好友无用禅师同行。暇日，黄公望始于山居南楼援笔作此长卷。但他经常云游在外，而画卷留在山中，只得“逐旋填札”，故“阅三四载未得完备”。无用似不放心，怕被人夺爱，便请黄公望在画中题文，明确归属。但最后何时完成，终不得而知。
清王原祁在《麓台题画稿》中说是经营七年而成，但黄公望自动笔至去世也就只有七年。一幅画画了这么多年，也称得上一奇，而二百五十年后藏者吴洪裕临终前嘱家人当面将画焚烧殉葬，而其侄吴静庵趁他弥留之际于火中夺画残卷，更是旷古之传奇。至今，我们已无法确知原卷的长度，但知前《剩山图》纵31.8厘米，横51.4厘米；后《富春山居图》纵33厘米，横636.9厘米。图绘富春江两岸秋初的景色。开卷描绘坡岸水色，远山隐约，接着是连绵起伏，群峰争奇的山峦，再下是茫茫江水，天水一色，最后则高峰突起，远岫渺茫。山间丛林茂密，点缀村舍、茅亭，水中则有渔舟垂钓。山和水的布置疏密得当，层次分明，大片的空白，乃是长卷画的构成特色。笔墨上已显然取法董源、巨然，但更为简约利落。山石的勾、皴，用笔顿挫转折，随意而似天成。将近20厘米的长披麻皴，枯湿浑成，功力深厚，洒脱而极富灵气，洋溢着平淡天真的神韵。全图用墨淡雅，仅在山石上普染一层极淡墨色，并用稍深墨色染出远山及江边沙渍、波影，只有点苔、点叶时用上浓墨，但已足以醒目。这是一幅浓缩了画家毕生追求，足以标程百代之作，无怪乎董其昌见了惊呼：“吾师乎！吾师乎！一丘五岳，都具是矣。” 第二部分：
梵高的宇宙，可以在《星夜》中永存。这是一种幻象，超出了拜占庭或罗曼艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做的任何尝试。梵高画的那些爆发的星星，和那个时代空间探索的密切关系，要胜过那个神秘信仰的时代的关系。然而这种幻象，是用花了一番功夫的准确笔触造成的。 当我们在认识绘画中的表现主义的时候，我们便倾向于把它和勇气十足的笔法联系起来。那是奔放的，或者是象火焰般的笔触，它来自直觉或自发的表现行动，并不受理性的思想过程或严谨技法的约束。梵高绘画的标新立异，在于他超自然的，或者至少是超感觉的体验。而这种体验，可以用一种小心谨慎的笔触来加以证明。这种笔触，就象艺术家在绞尽脑汁，准确无误地临摹着他正在观察着的眼前的东西。从某种意义上看，实际确是如此，因为梵 高是一位画其所见的艺术家，他看到的是幻象，他就是幻象。
实图如下：
《星夜》是一幅既亲近又茫远的风景画，这可以从十六世纪风景画家老勃鲁盖尔的高视点风景手法上看出来，虽然梵高更直接的源泉是某些印象主义者的风景画。高大的白扬树战栗着悠然地浮现在我们面前；山谷里的小村庄，在尖顶教堂的保护之下安然栖息；宇宙里所有的恒星和行星在“最后的审判”中旋转着、爆发着。这不是对人，而是对太阳系的最后审判。这件作品是在圣雷米疗养院画的，时间是1889年6月。他的神经第二次崩溃之后，就住进了这座疗养院。在那儿，他的病情时好时坏，在神志清醒而充满了情感的时候，他就不停地作画。色彩主要是蓝和紫罗兰，同时有规律地跳动着星星发光的黄色。前景中深绿和棕色的白杨树，意味着包围了这个世界的茫茫之夜。梵高继承了肖像画的伟大传统，这在他那一代的艺术家里鲜见的。他对人充满了激情的爱，使他不可避免地要画人像。他研究人就象研究自然一样，从一开始的素描小品，一直到1890年他自杀前的几个月里所画的最后自画像都是如此。它如实地表现出疯人凝视的可怕和紧张的眼神。一个疯人，或者一个不能控制自己行为的人，无论如何也不能画出这么有分寸、技法娴熟的画来。不同层次的蓝色里，一些节奏颤动的线条，映衬出美丽的雕塑般的头部和具有结实造型感的躯干。画面的一切都呈蓝色或蓝绿色，深色衬衣和带红胡子的头部除外。从头部到躯干，再到背景的所有的色彩与节奏的组合，以及所强调部位的微妙变化，都表明这是一个极好地掌握了造型手段的艺术家，仿佛梵高完全清醒的时候，就能记录下他精神病发作时的样子。记得一句关于梵高的话：“灿烂到极致不是黯淡就是死亡，所以梵高也只能，毁灭了自己。”
这幅画, 展现了一个高度夸张变形与充满强烈震撼力的星空景象。那巨大的、卷曲旋转的星云, 那一团团夸大了的星光, 以及那一轮令人难以置信的橙黄|色*的明月, 大约是画家在幻觉和晕眩中所见。对梵高来说, 画中的图像都充满着象征的涵意。那轮从月蚀中走出来的月亮, 暗示着某种神性*, 让人联想到梵高所乐于提起的一句雨果的话：“上帝是月蚀中的灯塔”。而那巨大的, 形如火焰的柏树, 以及夜空中象飞过的卷龙一样的星云, 也许象征着人类的挣扎与奋斗的精神。在这幅画中, 天地间的景象化作了浓厚、有力的颜料浆, 顺着画笔跳动的轨迹, 而涌起阵阵旋涡。整个画面, 似乎被一股汹涌、动荡的激流所吞噬。风景在发狂, 山在骚动, 月亮、星云在旋转, 而那翻卷缭绕、直上云端的柏树, 看起来象是一团巨大的黑色*火舌, 反映出画家躁动不安的情感和狂迷的幻觉世界。梵高在这里, 并没有消极、被动地沉溺于他那感情激流的图像中。他能将自己作为一个艺术家而从作品中抽离出来, 并且, 寻找某种方式, 用对比的因素与画面大的趋势相冲突, 从而强化情感的刺激。我们在画中看见, 前景的小镇是以短促、清晰的水平线笔触来描绘的, 与上部呈主导趋势的曲线笔触, 产生强烈对比; 那点点黄|色*灯光, 均画成小块方形, 恰与星光的圆形造型形成鲜明对比。教堂的细长尖顶与地平线交叉, 而柏树的顶端则恰好拦腰穿过那旋转横飞的星云。
中西绘画在空间意识表达上,中国画构图讲究“散点透视”,而西方绘画讲究“焦点透视”,此观点有其合理的一面,但中国画的远近法在本质上既不同于西画的焦点透视,更不是人们假设出来的散点透视。我们对中西传统艺术家创作的不同主题的绘画在透视法的比较性解读上,这两种透视方法的差异性应该被解释为直接反映了不同地域、不同社会环境、不同民族的审美心理对透视法缓慢形成的重要影响。
第12篇：美术鉴赏
美术欣赏试卷
一、填空（30分）
1、文艺复兴时期，佛罗伦萨画家（波提切利）所作的《维纳斯的诞生》
被称为是美术史上最优雅的裸体。
2、达·芬奇两幅最具有代表性的作品是《蒙娜·丽莎》、《最后的晚餐》。
3、农民画家勃鲁盖尔画的一幅具有讽刺意味的漫画是《死神的胜利》。
4、存留到现代的最早的两处原始时代的洞窟壁画是《西班牙北部阿尔塔米拉洞窟壁画》、《法国西南部的拉斯科洞窟壁画》。
5、写实主义画家的代表人物是（库尔贝）其代表作是《打石工》。
6、立体派画家的代表人物是（毕加索） 其代表作是《亚维农姑娘》。
7、抽象派画家的代表人物是（康丁斯基）。
8、表现主义画家的代表人物是蒙克，其代表作是《呐喊》。
9、超现实主义的画家代表人物是达利，其代表作是《记忆的永恒》。
10、野兽派的代表人物是（马蒂斯），其代表作是《红色的和谐》。
二、赏析（30分 ）
1、赏析达·芬奇的《蒙娜丽莎》
答：这张画最成功的地方在于画中人物微妙至极的表情。无论从哪个角度看，她似乎都在凝视着观者，嘴角微微向上翘起，所反映出来的心理状态更加令人难以琢磨，不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达·芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。
画中人物交叠的双手是画面里另一个闪光点。这双柔嫩的手被画得是那么精
确与丰满，完全符合解剖结构，充分展示了她的温柔，与神秘的微笑相映生辉，在庄重的坐姿上又增添了几分宁静与安详。
在构图上，达·芬奇改变了以往画肖像画时采用侧面半身或截至胸部的习惯，代之以正面的胸像构图，透视点略微上升，使构图呈金字塔形，画中人物就显得更加端庄、稳重。
人物背后的风景，并非只是人物的装饰或陪衬，而是透露着理解这幅作品的一些关键信息。有学者考证，背景中描绘的是远古时代意大利佛罗伦萨地区的阿诺河河谷的地貌风景，达·芬奇曾对沿河的阿斯卡那地貌进行过深入的研究。这种对自然地理的研究与对人体解剖学的研究，在这幅画中得到完美结合。画面上，人物衣纹构成的弧线与折线同背景中流淌的河水交相辉映，而人物头发细小的波浪则宛如远处山崖瀑布上冲下的水流。更为重要的是，背景中的阿诺河河谷保持了它原始时的状态，而近处的人物也单纯朴素地摘除了所有装饰，除了头上那层薄薄的黑纱，它在当时的意大利含有“贞洁”的隐义。画中人物就像一位集人类众多美德于一身的圣母，端庄地坐于历史的原点之前，打动人心的不仅是她的美，还有一种蕴藏着宇宙感的宏伟壮丽。
2、赏析霍贝马的《林荫小道》
答：作为荷兰的风景画大师，霍贝玛笔下的树非常轻巧，轮廓线也非常自由，在空间中舒卷自如。霍贝玛喜欢这种优雅的、跳宕自如的线条，喜欢散乱的团块、班驳变化的地形和那些迷人的晕影和深景——每一部分看上去都像是画中之画。当霍贝马停留在小镇米德尔哈尼斯，描绘那里的景色即这幅通向前方的林荫小道时，荷兰风景画已经发展到了它的极致。虽然如此，霍贝玛还是沿着荷兰绘画的传统前行，其中蕴含有无限丰富的素材。《林荫小道》是一幅令人过目难忘的佳作，画面上的地平线很低，原野上一条泥泞的林荫小道伸向远方，路面上印着深浅不一的车辙。路两旁的细高的小树富有节奏感。远处可见高耸的教堂和红色的房屋。天空辽阔深远，云彩富有动感。画面上点缀着几个人物。画家成功地运用的焦点透视，构图稳定均衡。整个画面带给我们的是清新、舒展，我们仿佛闻到了这宁静乡间淡雅的泥土气息。这幅画在美术技法教学上一直被用作古典的示范作品。
三、分析（40分 ）
1、写实主义、超写实主义、现实主义、超现实主义有什么不同。（20分）
答：写实主义：这是一个在艺术创作尤其是绘画、雕塑和文学、戏剧中常用的概念，更狭义的讲，属于造型艺术尤其是绘画和雕塑的范畴。 无论是面对真实存在的物体，还是想象出来的对象，绘画者总是在描述一个真实存在的物质而不是抽象的符号。这样的创作往往被统称为写实。遵循这样的创作原则和方法，就叫现实主义，让同个题材的作品有不同呈现。
超写实主义：超写实主义又称超级写实主义、新现实主义和照相写实主义，源自并兴盛于美国，其后波及世界各地。
现实主义：现实主义作为一场艺术运动，是与法国1848年革命同时出现的。画家库尔贝和理论家尚弗勒里是其精神领袖。现实主义坚决如是的表现画家所处时代的风格、思想和面貌，其中至关重要的是真诚。“现实主义”（realism)在西方语言中也可指艺术写实的手法。因此，“现实主义”也可称为“写实主义”。
超现实主义：超现实主义是在法国开始的文学艺术流派，源于达达主义，并且对于视觉艺术的影响力深远。于1920年至1930年间盛行于欧洲文学及艺术界中。它的主要特征，是以所谓“超现实”、“超理智”的梦境、幻觉等作为艺术创作的源泉，认为只有这种超越现实的“无意识”世界才能摆脱一切束缚，最真实地显示客观事实的真面目。超现实主义给传统对艺术的看法有了巨大的影响。也常被称为超现实主义运动。或简称为超现实。
2、印象派的绘画特点？（10分）
答：一是将绘画从客观自然再现转向主观精神表现，反映印象派具有绘画独立性的美学观念。印象派在艺术精神上对立于西方古典传统绘画，强调创造新时代的艺术形态；他们对主题性地再现现实不以为然，提出应自然而随意地表现生活与客观物象；他们游离于传统艺术所关注的社会功用与教育职能，离开了艺术表现现实的情节化和戏剧性结构，排除叙事性的文学内容，注重画家对现实情境的自我感受和自觉表现，擅长对现实情景的生命状态和存在形式进行直觉式的客观再现与描绘，将绘画从客观自然再现转向主观精神表现，以迎合新兴市民阶层的审美需求，努力反映印象派绘画独立性的美学观念。印象派并不反对以自然为师，只是强调“不要失掉你所感觉到的第一印象”。印象派认为“记忆”和“想象”可以“从自然的束缚下解放出来”。
二是注重绘画的光、色、形、意、美的融合，体现印象派的艺术与光学相结合的主要特征。印象派绘画在光与色的表现上取得了突破性成就，在光、色中求形，以光与色的讴歌表现意和美，理解了光、色、形、意、美在绘画语言中的辩证关系，把闪烁的阳光和微妙的阴影引入画面，绘画随之变得清新明丽、生机盎然。在印象派绘画作品中，光和色是基本的绘画语言、艺术要素、快速跳动的音乐旋律和慢慢流淌的文化符号，光和色是形、意、美的艺术起始点，形、意、美在光和色中成形、达意、示美。印象派画家最基本的绘画技法是竭力探索一种有效方法，以突破物体单一的、表面看来一成不变的“固有”色；他们力图捕捉物体在特定时间内自然呈现的瞬息色彩，那种受一定环境条件、空间距离和周围其他物体影响的颜色。他们从画水开始，把水波反射出来的五光十色描绘得惟妙惟肖。他们进而扩大到从建筑物到天空的光与色的表达。印象派对光与色的探索得益于19世纪初期科学家对光的本质的新发现，孕育了艺术与科学相结合而产生的文化跃迁。
三是采用原色并列、重叠和补色手法，形成印象派新的绘画语言。为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，印象派画家采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是红、黄、蓝三原色并列，时而重叠，并把红和绿、黄和紫、蓝和橙色补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。印象派新的“光色”技法形成了新的绘画语言，令人耳目一新。
四是“把画架搬到户外”，成为印象派的重要绘画方式。它不是简单的绘画场所位移，而是绘画方式变革，改变了西方传统绘画方式，是为了在阳光下对景写生，捕捉和描绘物体在阳光照耀下色彩的微妙效果。雷诺阿喜欢在户外林下写生模特儿，以悉心研究模特儿身上、脸上的绿色反光和灿烂的斑点效果。 五是变革西方传统绘画和借鉴各种画派，留下印象派叩开20世纪现代艺术之门的文化轨迹。印象主义艺术思潮随印象派绘画而生，印象派绘画又在印象主义艺术思潮的涌动中而兴。印象派之兴，在于对西方传统绘画的变革和对19世纪上半叶各种画派的借鉴，包括借鉴古典主义、浪漫主义和现实主义等。印象派绘画的反叛表现在众多方面。印象派很快形成了自己的艺术风格、绘画特征和文化风采，在独树一帜驰骋19世纪下半叶艺术舞台的同时，也显现了自身的艺术选择和文化取向的局限性，以至于困惑、分化不断。在这种进程中，印象派、新印象派、后印象派相继而生。印象主义、新印象主义、后印象主义衰落后，立体主义和20世纪各种理性化抽象艺术从中吸取了动力。印象派、新印象派、后印象派叩开了20世纪现代艺术之门。
共具特征。
一是艺术思想的批判性。
二是艺术体系的独创性。
三是艺术精神的探索性。
四是艺术珍品的渐显性。
五是艺术技法的借鉴性。
3、学习这门课程以后，你有什么感想？（10分）
答：这学期的3-10周上了曹红霞老师的美术鉴赏课。收获颇丰。
首先感慨曹老师的人格魅力，这学期我已大三，在大学渐渐成了“老油条”迟到早退的事情常有发生。尤其对这类选修课更加不以为然，自从上这门美术鉴赏课，与其他老师不同，曹老师每次严格考勤。对我们严格要求。自身也认识到了自己的不足，每次按时上课，从不缺席。这不仅是对于一门课，对我自身的缺点的纠正，良好习惯的养成，都是很有帮助的。
学习了美术鉴赏课，自己的人文素质也得到了很大的提高。
通过美术鉴赏课，可以使我们的视野更开阔，可以拓宽我们的知识面。在课堂上，我学到了很多知识，也让我学会了如何去真正地欣赏一幅画，以及画家在画一幅画的时候是抱着何种心情。还有作者到底在一幅画中所想要表达的意思……
美术,在现实生活中到处可以感受到美术的气息,一张桌子、悬挂的衣服等等这些随处可见。学了美术鉴赏课，真让我受益匪浅，平常对生活粗略地观察也变得细心起来了。我渐渐地发现原来生活那么美好，有时观察一棵树，我会呆呆地看很久，仿佛自己身临其境了。
美术，浅意识地理解就是色彩，各种不同颜色的搭配，形成一幅幅画面。一般人们都只了解一幅画的表面含义，如果想了解得更深，就要更深层次地了解美术了。美术，更进一步的理解就是艺术，美术是一门艺术，同时也包含着作者在作画时往往蕴涵着深刻的含义，把自己的心情表现在一幅画中，使欣赏画的人产生共鸣。还有一些作品表现出了某一个时期特定的社会现象，蕴涵着社会矛盾，反映了社会底层劳动人民的生活状况，尤其是在战争时期，也有一些作品是人们无法了解的只能凭感性去认识画家的意图，这些通常具有宝贵的文化和研究价值，例如凡篙晚年的作品，他晚年精神失常，画的一些画总是让人匪夷所思，而如今他的画举世闻名，具有很高的研究价值。
学了美术鉴赏，让我的文化素质和道德修养得到了提高，还学到了日常生活的一些小常识，让我时刻观察生活中的美，知识面也得到了拓展，短短的课堂让我学到可如此多的知识。在这课堂上也让我感受到了大学的气息。
第13篇：美术鉴赏
美术鉴赏（外国）
这张是梵高最富盛名的《向日葵》，曾几何时这张画是梵高的象征，让大家一看到这张画就想到了梵高，以至于曾经的我一直以为梵高就画过这一幅画。
这幅画是把后印象主义的特征表现到了极致了，强烈的色彩对比和不拘一格的构图，以及渴望将自己所有内心实感表现到油布上的冲动。
这幅《在阿尔勒卧室》，就是那十幅风景画之外的又一幅佳作。从这幅作品中我们可以看到梵高在尽力营造一种紧张的氛围，构图极为的紧凑，颜色也是如统一的一股力量般。画面中还有一个特别的地方，就是所有的物体都没有投影，给我们一种失重的感觉，这也应该是梵高可以安排的，为的是让画面更为紧张。
《有乌鸦的麦田》曾经被认为是梵高最后的一幅作品，但具体是怎样也是众说纷纭无法得出一个正确的结论。但不管它是不是梵高的最后一件作品，我们能在画面中看到的是这样一幅场景，黑压压的天空压着金黄的麦浪，沉重的让人透不过气来，一群狂躁的乌鸦配合激荡的笔触，更是加重了画面的压迫感。由此可见当时作者是极度的压抑和痛苦
这是由一个触目惊心的、狂暴的、尤其是缺乏色彩的形体所构成的画面；这色彩是指光影和立体感，也正是由於缺乏这一点，它就象征着死亡。这死亡不仅是轰炸受难者的死亡，而且也是文明的死亡。《格尔尼卡》毕加索
此画描写了画家在画女模特儿的情景。右侧的裸女坐在地上，画家坐在椅子上聚精会神地作画。背景简略，人 物充满画面。画家完全以自我的立体派面貌来表现对象，他将人体拉长、压扁、扭曲、调位，从而获得了令人惊骇 的艺术效果。
《赤脚的女孩》这幅画并不纯粹以技法取胜，难得的是毕加索在那样一个年龄却着力捕捉同龄模特儿的内在气质和生命，从结果来看他的努力亦非常成功。所以，表现在画中的强烈的视觉和情感对比才是这幅画引人入胜之处。毕加索本人对《赤脚女孩》也相当满意，一直将它保留在身边。
大师在画丽莎时，是用真诚而纯洁的情感去描绘的，他用对母亲和情人的双重情感来尽情描绘此人的肖像。不仅如此，他还把她作为一种理想，一种美的象征，作为人类世界的欢乐和光明来描绘
《最后的晚餐》是基督教新约圣经记载的最重要的事件之一，几乎被所有宗教画家描绘过。但在达·芬奇为米兰格雷契寺院食堂画《最后的晚餐》是意大利画家达·芬奇于1495－1497年费时三年为一所修道院的餐厅所作的壁画。这幅画着重刻划耶稣的门徒在听到主说“你们中间有一个人要卖我了”的时候所表露出来的不同的心理反应。
在拉斐尔过去创造的圣母中，总是极力追求美丽、幸福、完好无缺、更多地具有母亲和情人的精神气质和形象。而这幅《西斯廷圣母》是在更高的起点上塑造了一位人类的救世主形象：她决心以牺牲自己的孩子，来拯救苦难深重的世界。
拉斐尔的《雅典学院》便是唱出引人的自觉和清醒理智的赞歌。而且在构图上还巧妙地利用建筑的特点,把画面上背景,建筑物的透视和前面真实建筑物的半圆拱门连接起来,扩大了壁画的空间效果,使建筑物显得更加宽敞,壮丽。
这幅作品描绘的是透过薄雾观望日出的景象，直接戳点的绘画笔触描绘出晨雾中不清晰的背景，多种色彩赋予了水面不同的光辉。真实的描绘了法国海港城市的光与色给画家的印象。
莫奈神往于光线穿过玻璃顶棚射向蒸汽烟云的效果，莫奈相信光线和空气的神奇效果是最为重要的，他巧妙的平衡了画面的调子和色彩，这幅画充分的表现了力量、空间、对比、和运动。
在《穿红背心的少年》中，男孩的形象占满整个画面，他那呈弓形的身躯是整个构图中主要的构成要素。这一形象被牢牢地限定在一个紧密的空间结构中——左侧被窗帘的斜线限定；上端被后部墙上的水平线框住；而右侧则被那三角形的深颜色所限制。弧形的手臂与弧形的身体彼此协调。全画形、色、点、线等因素，均按一定的理性秩序一起组构。为求得画面结构的妥贴与和谐，画家有意改变客观形象的外形及比例。
《大宫女》依照对角线安排裸女身躯，一条长长的流利曲线，从背部延伸到脚下，在趁于圆润的长长玉臂，生动的描绘出美妙的形体。
在1917年，杜尚将一个从商店买来男用小便池起名为《喷泉》，匿名送到美国独立艺术家展览要求作为艺术品展出，成为现代艺术史上里程碑式的事件。杜尚之所以把小便池命名为《喷泉》，除了他确实是水淋淋的外表之外，也是对艺术大师们所画的《泉》的讽刺。
野兽派核心画家马蒂斯的《舞蹈》，色彩和线条就像词语之间激情的结合，体现着色和构图结合的情趣。线条是舞蹈流动的痕迹，而色彩使得抽象画面更为干净。线条和色块在马蒂斯那里非常合乎美感地融合起来，它所产生的空间感让舞者有了自由舞蹈的姿态。五个舞者相互协作，群舞的一致性让舞蹈自然产生生命感和由此带来的喜悦。
达利运用他那熟练的技巧精心刻画那些离奇的形象和细节，创造了一种引起幻觉的真实感，令观众看到一个在现实生活中根本看不到的离奇而有趣的景象，体验一下精神病人式的对现实世界秩序的解脱。
《两艘驳船》
德朗想把凡·高、高更、塞尚的因素与印象主义、新印象主义因素融会贯通于自己的创作中，这使他的野兽主义带有明显的折衷成分。在这幅画中画家赋予了色彩以独立的地位，明亮的红、黄、蓝、绿等色彩构成了强烈而和谐的对比。画中色彩具有爆炸的耀眼光芒，令观者振奋。但是他的艺术表现、空间处理和造型并没有脱离古典法则，色调也类似新印象主义，看得出画家想把传统与现代结合在一起的愿望。
《下楼的裸女》：曾被讥为“木材厂大爆炸”。杜尚的这幅作品被认为是未来主义的先驱之作。在这幅作品中，人们看不见什么裸女，也没有完整的楼梯，只能见到一些看来杂乱无章的线条。杜尚后来把这幅画送交第28届独立画展时，被评委拒绝，说它超出了人们所能忍受的限度。它曾在美国军械库展览会露过面，被当时一些人讽刺为“木材厂大爆炸”。
画家从颜料管里挤出的原色，不
是直接排列到画布上的而是应自然本色来加以概括，使它更单纯化，免去复杂的中间调子，不仅能引起观者视网膜的振动感应，还表达了一种饱和的情绪，比点彩派的\"科学\"排列更富感染力。这幅《威斯敏斯特大桥》，正是他时断时续地追随野兽派时期的代表作
第14篇：美术鉴赏
《林泉高致》是以下哪类画作创作的经验总结？（）
1.0 分
肖像画 A、
花鸟画 B、
山水画 C、
宫廷画 D、
正确答案： C 我的答案：C 2
山水画名家中所谓的“荆关董巨”，不包括以下哪个人？（）
1.0 分
荆浩 A、
B、关仝
董其昌 C、
巨然 D、
正确答案： C 我的答案：C 3
唐寅在画作中写的“治下唐寅画呈李父母大人先生”，表明了该幅画是送给（）的。
1.0 分
岳父母 A、
父母 B、
C、
地方长官
祖父母 D、
正确答案： C 我的答案：C 4
《田横五百士》属于以下哪个画种？（）
1.0 分
水彩画 A、
版画 B、
漆画 C、
油画 D、
正确答案： D 我的答案：D 5
下面关于画家伦布朗的描述中，不正确的一项是（）。
1.0 分
A、
现实主义派画家
B、
英国画家
C、
成名作《蒂尔普教授的解剖课》
D、
擅长用光线刻画人物或环境
正确答案： B 我的答案：B 6
下列画家中，属于达达主义画派代表人物的是（）。
1.0 分
A、
康定斯基
毕加索 B、
梵高 C、
杜尚 D、
正确答案： D 我的答案：D 7
自号“江南第一风流才子”的人是（）。
1.0 分
唐寅 A、
沈周 B、
文徵明 C、
仇英 D、
正确答案： A 我的答案：A 8
“界画”通常需要借助以下哪种工具来作画？（）
1.0 分
贝壳 A、
草绳 B、
铜版 C、
界尺 D、
正确答案： D 我的答案：D 9
认为“五色令人目盲；五音令人耳聋”的人是（）。
1.0 分
孟子 A、
墨子 B、
荀子 C、
D、老子
正确答案： D 我的答案：D 10
在中国的传统神话中，西王母的居所位于（）。
1.0 分
蓬莱岛 A、
天山 B、
昆仑山 C、
不周山 D、
正确答案： C 我的答案：C 11
宋徽宗的《芙蓉锦鸡图》被以下哪个机构收藏？（）
1.0 分
A、台北故宫博物院
B、
大英博物馆
C、
北京故宫博物馆
D、
美国大都会博物馆
正确答案： C 我的答案：C 12
下列关于徐悲鸿的说法中，不正确的一项是（）。
1.0 分
A、
强调国画改革融入西画技法
B、
对中国美术教育有很大的影响
C、
师从刘海粟
D、
以画奔马享名于世
正确答案： C 我的答案：C 13
张择端是（）时代的画家。
1.0 分
宋朝 A、
唐朝 B、
元朝 C、
明朝 D、
正确答案： A 我的答案：A 14
巨石阵位于下列哪个国家？（）
1.0 分
英国 A、
美国 B、
C、
澳大利亚
智利 D、
正确答案： A 我的答案：A 15
下列关于格列柯的说法中，错误的一项是（）。
1.0 分
A、
长期在西班牙生活
B、
作品中带有不安躁动与病态的情绪
C、
在他所在的时代受到了贵族的追捧 D、
画作反映了16世纪下半叶动荡的西班牙社会
正确答案： C 我的答案：C 16
画史上的南宋四大家不包括以下哪位？（）
1.0 分
李唐 A、
马远 B、
夏圭 C、
王希孟 D、
正确答案： D 我的答案：D 17
对中国20世纪下半叶的文学艺术发展产生了极大影响的事件是（）。 1.0 分
A、
毛泽东《论十大关系》的讲话
B、
皖南事变
C、
八一南昌起义
D、
毛泽东在延安文艺座谈会上的讲话
正确答案： D 我的答案：D 18
梁楷的《李白行吟图》运用了哪种笔描方式？（）
1.0 分
铁线描 A、
柳叶描 B、
减笔描 C、
枣核描 D、
正确答案： C 我的答案：C 19
在西方的美术史中，绘画对象是以（）为主的。
1.0 分
花鸟 A、
山水 B、
人物 C、
D、
宗教神灵
正确答案： C 我的答案：C 20
对于梵高画作的特点，下列选项中描述正确的是（）。
1.0 分
A、
后期画作色彩灰暗单调
B、
承袭了古典主义的风格
C、
后期画作风格自由狂放
D、
表达他的主观见解和情感
正确答案： C 我的答案：C 21
要看到色彩，人类需要具备的必要条件不包括以下哪点？（）
1.0 分
A、
拥有功能正常的眼睛
B、要有可供观看的对象
要有光 C、
D、
要有可供对比的事物
正确答案： D 我的答案：D 22
郑板桥的画作中，以（）最为著名？
1.0 分
梅 A、
兰 B、
竹 C、
菊 D、
正确答案： C 我的答案：C 23
色彩的三大要素不包括（）。
1.0 分
色相 A、
纯度 B、
明度 C、
感光度 D、
正确答案： D 我的答案：D 24
汪珂玉在《珊瑚网》中，将笔描线条的方式分为了（）种。
1.0 分
10 A、
15 B、
18 C、
30 D、
正确答案： C 我的答案：C 25
提出“模仿说”，认为艺术就是模仿大自然，模仿世界的真实的人是（）。
1.0 分
柏拉图 A、
B、
苏格拉底
薄伽丘 C、
笛卡尔 D、
正确答案： A 我的答案：A 26
世界上第一个无产阶级的政权是（）。
1.0 分
A、
苏维埃共和国
苏联 B、
C、
巴黎公社
D、
第一国际
正确答案： C 我的答案：C 27
在中国，被认为是文殊菩萨的道场的佛教圣地是（）。
1.0 分
泰山 A、
华山 B、
峨眉山 C、
五台山 D、
正确答案： D 我的答案：D 28
以下画家中，注重线条运用的是（）。
1.0 分
高更 A、
梵高 B、
C、
波提切利
D、莫奈
正确答案： C 我的答案：C 29
安格尔的绘画主题多以（）为主。
1.0 分
建筑 A、
B、
宗教人物
皇帝 C、
美女 D、
正确答案： D 我的答案：D 30
元代山水画的特点不包括（）。
1.0 分
A、复古
出世 B、
C、
注重皴、擦、点、染等技法
D、
具有很强的宗教色彩
正确答案： D 我的答案：D 31
《宣和画谱》是在以下哪个皇帝在位时期完成的？（）
1.0 分
宋仁宗 A、
宋神宗 B、
宋徽宗 C、
宋哲宗 D、
正确答案： C 我的答案：C 32
在20世纪50年代，使用“滴画法”进行抽象绘画创作的是以下哪位当代艺术大师？（）
1.0 分
A、
杰克森·波洛克
达利 B、
C、
草间弥生
D、
亨利·马蒂斯
正确答案： A 我的答案：A 33
毛泽东的《七律·送瘟神》是为了纪念以下哪位人物而创作的？（）
1.0 分
刘少奇 A、
杨开慧 B、
周恩来 C、
朱德 D、
正确答案： B 我的答案：B 34
夏圭的山水画构图强调近景突出，远景清淡，被称为（）。
1.0 分
夏一角 A、
夏半边 B、
夏远山 C、
夏巨山 D、
正确答案： B 我的答案：B 35
下列关于墨的描述中，不正确的是（）。
1.0 分
A、
价格低廉
B、
中国画中最常用材料
C、
墨可以用来表现明暗
D、
墨的制作方式可以有很多种
正确答案： A 我的答案：A 36
九色鹿的故事源于（）。 1.0 分
A、
古代都市传说
B、
佛教典籍
C、
道教典籍
D、
敦煌壁画
正确答案： D 我的答案：D 37
关于赵孟頫，下列说法不正确的是（）。
1.0 分
A、
有“元人冠冕”之称
B、
著有《松雪斋文集》
C、
在绘画上主张摒弃古法，自由创新
D、
认为书画同源
正确答案： C 我的答案：C 38
关于《蒙娜丽莎》，下列说法正确的是（）。
1.0 分
A、
因画中人开朗活泼的笑容而闻名
B、
是一副版画
C、
画面中的笔触清晰，能追溯作画过程
D、
现藏于巴黎卢浮宫
正确答案： D 我的答案：D 39
从洛可可艺术以后，欧洲的艺术中心开始向（）转移。
1.0 分
意大利 A、
法国 B、
德国 C、
英国 D、
正确答案： B 我的答案：B 40
居斯塔夫·库尔贝属于以下哪个流派？（）
1.0 分
A、
印象主义
B、抽象主义
C、
后现代主义
D、
自然主义
正确答案： D 我的答案：D 41
艺术在日常生活方面的功能主要体现在以下哪点？（）
1.0 分
A、
个人表现
B、
记录和宣传
C、
装饰和美化
D、
娱乐和宣泄
正确答案： C 我的答案：C 42
《女贵族莫洛卓娃》是以下哪位画家的作品？（）
1.0 分
A、
克拉姆斯柯依
希什金 B、
C、
苏里科夫
夏尔丹 D、
正确答案： C 我的答案：C 43
宋代是山水画的成熟时期，其中以画“寒林平远”著称的画家是（）。
1.0 分
赵孟頫 A、
张择端 B、
范宽 C、
李成 D、
正确答案： D 我的答案：D 44
元四家的作品中具有典型人文趣味的是（）。
1.0 分
黄公望 A、
吴镇 B、
倪瓒 C、
王蒙 D、
正确答案： B 我的答案：B 45
以下画家中，作品具有强烈的自由童真气息的是（）。
1.0 分
蒙克 A、
达芬奇 B、
马蒂斯 C、
米罗 D、
正确答案： D 我的答案：D 46
王蒙的《葛稚川移居图》中，所绘的山是（）。
1.0 分
终南山 A、
青城山 B、
衡山 C、
罗浮山 D、
正确答案： D 我的答案：D 47
在意大利画家中，比较接近东方情调的是（）
0.0 分
拉斐尔 A、
B、
波提切利
瓦萨里 C、
D、达·芬奇
正确答案： B 我的答案：A 48
《洛神赋图》现存最早的版本是以下哪个时期的？（）
1.0 分
汉代 A、
隋代 B、
唐代 C、
宋代 D、
正确答案： C 我的答案：C 49
中国古代早期的山水画指的是以下哪个时期的山水画？（）
1.0 分
A、隋唐五代时期
B、
魏晋南北朝时期
C、
三国时期
D、
秦汉时期
正确答案： B 我的答案：B 50
提出“以美育代宗教”思想的人是（）。
1.0 分
达利 A、
蔡元培 B、
C、
弗洛伊德
胡适 D、
正确答案： B 我的答案：B
二、判断题（题数：50，共 50.0 分）
达利因其超现实主义的作品而闻名。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
《父亲》是当代艺术家罗中立的代表作。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
洛可可风格是一种宫廷艺术，代表是上层社会的审美趣味。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
与文字的记载不同，图像大多都更忠实地反映了史实。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： × 5
顾恺之有“山水画祖”的称号。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
罗中立是中国玩世现实主义的代表艺术家。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
倪瓒《六君子图》的构图是典型的“三段式”。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
“澄怀观道”这一审美主题的提出者是宗炳。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
色彩在绘画中的重要性要高于线条。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： × 10
如今，素描已经发展为一个独立的画种。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
马远《夕阳山水图》以构图饱满、色彩丰富著称。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
全国美术作品展览的举办频率是每四年一次。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
修拉是法国新古典主义画派的代表人物。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
版画最早出现在埃及。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： × 15
斧劈皴这一绘画技法具有笔线遭劲，运笔多顿挫曲折的特点。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
安格尔是19世纪法国杰出的以表现农民题材而著称的现实主义画家。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
《格尔尼卡》表现的是1937年德国空军疯狂轰炸西班牙的场景。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
风景画和山水画是同一个概念。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
色彩在明度上的变化会影响色相的变化。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： × 20
现代艺术运动的一个共通点是，它们都追求新奇和与众不同。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
21
20世纪50年代-60年代，中国最主要的艺术类型是前卫艺术。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
22
中国古代的山水画都是严格根据比例尺来绘制图中的路、树木和亭。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
23
米开朗基罗的绘画造诣可比肩达芬奇。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
24
沈周认为，对于文人来说最重要的是“德行”。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √ 25
“华亭派”主要指的是沈周开创的画派。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
26
元代是文人画的繁荣时期。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
27
粉色在某种程度上能起到放松肌肉的作用。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
28
米勒的画被当时的政府认为是“无产阶级撒向资产阶级的炸弹”。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
29
北宋中期的山水画，不仅反映了画者对大自然的认识，还反映了他们将自然与社会结构相联系的观念。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √ 30
《乾隆大帝大阅图》是西洋绘画技法和中国传统绘画技法融合的产物。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
31
“没骨法”是一种直接用彩色作画，不用墨笔立骨的国画技法。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
32
壁画除了具有记录历史的功能，还具有教育功能。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
33
艺术作品可以分为物质性的和精神性的。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
34
文化大革命时期的美术作品带有很强的宣传功能。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √ 35
《格尔尼卡》是一副以黄色为主色调的作品。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
36
印象派画作中带有很强的文学性跟故事性。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
37
伏羲是中国古代的第一任帝王。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
38
《毛主席走遍全国》是由李琦创作的一副版画作品。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
39
关于艺术，现在学界已经有了统一规范的解释。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： × 40
《鹊华秋色图》是一副花鸟画。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
41
《林泉高致》是由郭熙整理编辑而成的。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
42
中国画的颜料以油性颜料为主。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
43
《千里江山图》以色彩浓烈和尺寸巨大著称。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
44
由于人类的眼睛属于复眼，因此比其他动物更能识别色彩。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： × 45
明代时，人们多使用绢来作画。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
46
在古典绘画中，十分重视环境色和光源色的表现。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
47
德拉克洛瓦与安格尔属于同一画派。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
48
《清明上河图》上并无作者署名。（）
1.0 分
正确答案： √ 我的答案： √
49
康斯坦丁·布朗库西的《吻》表达了爱情的短暂和易逝。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： × 50
20世纪以后，西方的艺术中心转移至英国。（）
1.0 分
正确答案： × 我的答案： ×
第15篇：美术鉴赏
学习和欣赏中外美术作品的心得体会
姓名： * * * 学号： * * * 院（系）： * * * 班级： *级*班 任课老师： * *
学习和欣赏中外美术鉴赏作品的心得体会
【摘要】
美术是人类文化的一个重要组成部分，是社会存在的产物，它与社会生活的方方面面有着千丝万缕的联系，作为人文学科凝聚着浓郁的人文精神，它担负着社会功能的角色。古今中外优秀的美术作品，都具有深刻的思想内涵和强烈的人文精神，具备情节美、生活美、意境美，这些作品塑造出的典型形象从不同角度叙述着感人的情节，给人以震撼、给人以感动、给人以思考，使人们从中得到美的启迪和感情的升华。
【关键词】 美术 欣赏 学习八骏图 断臂的维纳斯 【正文】
这学期，我们学习了了美术鉴赏这门课，通过对这门课的学习，我有了很大的收获和体会，我发现美术是一种富有内涵，表现形式多样，意义深刻悠远的艺术形式。课堂上我也学到了很多知识，让我学会了如何真正的去欣赏一幅美术作品。跟着老师的思路的见解，我不仅领略到了大作的美还领悟到生活中处处充满了美。
我最喜欢的中国艺术家和作品是徐悲鸿以及他所创作的《八骏图》。徐悲鸿1919年赴法国留学，他的作品熔古今中外技法于一炉，显示了极高的艺术技巧和广搏的艺术修养，是古为今用、洋为中用的典范，在我国美术史上起到了承前启后、继往开来的巨大作用。他把西方艺术手法融入到中国画中，创造了新颖而独特的风格。他的代表作油画《田横五百士》、《徯我后》、中国画《九方皋》、《愚公移山》等巨幅作品，充满了爱国主义情怀和对劳动人民的同情，表现了人民群众坚韧不拔的毅力和威武不屈的精神，表达了对民族危亡的忧愤和对光明解放的向往。他常画的奔马、雄狮、晨鸡等，给人以生机和力量，表现了令人振奋的积极精神。尤其他的奔马，更是驰誉世界，几近成了现代中国画的象征和标志。
《八骏图》是徐悲鸿最著名的作品之一，以周穆王八骏为题材，八匹马形态各异，飘逸灵动，在绘画技法上，是极为成功的中西融合的产物，逼真生动地描绘了马的飒爽英姿。刚劲矫健、剽悍的骏马，给人以自由和力量的象征，鼓舞人们积极向上。八骏图上，八匹英姿勃勃的骏马飞奔向前，姿态各异，匹匹高大雄健、精神焕发。其中的一匹最具特色，它后腿蹬地，前蹄腾空而起，鬓毛迎风飘动，昂首尾，自由奔放。《八骏图》是徐悲鸿送给陈纳德将军的一幅巨作。那时陈纳德将军正从战场上凯旋归来，画上那昂首奋蹄的八匹骏马，映照着中华民族不屈的精神。“骏马奔腾似潮涌，一日千里独行空。驰骋疆场唯我狂，遨游神州立战功”。奔腾的骏马，显现的是气度，释放的力量，超越的是灵魂。徐悲鸿的《八骏图》体现的是飞扬的志气，中华的灵魂。
而相对于《八骏图》几乎完美的描绘，西方的《断臂的维纳斯》更加突出的是打破人们传统的完美观点，向世人展示不完美中的美丽和震撼。有的时候，我感觉不完美的事物更值得我们去珍惜、去回味。就像木桶装满了水，任你再怎么小心，水还是会溢出来，木桶还是未满，为何我们当初不放的少一点点呢，这样我们又可以省出很多气力，何乐而不为呢？
罗丹说：《断臂的维纳斯》这件作品表达了古代最了不起的灵感，她的肉感被节制所控，她的生命的欢乐声调被理智所缓。在我们看来，她那么安详自信的眼睛和稍微微笑的嘴唇，给人以矜持而富有智慧的印象，没有娇艳或羞赧，没有丝毫的造作神态，体现了两千多年前希腊人的审美理想——纯洁与典雅、外在美和精神美的统一。其驱赶、肢体和多重的衣纹的对比产生出一种微妙流动的韵律。她半裸的姿态，使整个形象产生巨大的魅力。她的腿部被富有表现力的衣褶遮住，仅露出脚趾。由于下半身厚重稳定，坦露的上半身显得更加秀美，犹如一座纪念碑，给人以崇高、亭亭玉立、优美动人的感觉。由此可见，作者已经把她提到了古典理想美的高度，形象充满了无限的诗意，她那含蓄而耐人寻味的美感，几乎使一起人体艺术都相形见绌。
通过学习美术鉴赏课，使我的视野更加开阔，也拓宽了我的知识面，学到了专业课理论知识以外的东西，我一直以来就很喜欢风景画，也喜欢在网上搜集一些认为有唯美意境的风景图，这门课培养了我对美的认识和鉴赏能力，让我可以更加细致的观察生活中的美。更加坚定了我对美好生活的追求与热爱。
【参考文献】
《中外美术鉴赏》
徐改、刘晨.清华大学出版社，2009.
《美术鉴赏》
李新平，成文光.哈尔滨工程大学出版社，2009.
《艺术赏析概要》
杨辛、谢孟. 中央广播电视大学出版社，2004.
第16篇：美术鉴赏
1、敦煌石窟为佛教石窟寺，位于甘肃省敦煌是 _____莫高窟_____、_____榆林窟_____、_____西千佛洞_____ 的综合体，是国内______最大____ 的石窟群，其中最主要的 ___佛教艺术宝库_______
2、我国三大石窟分别为______莫高窟___、______云岗石窟____、_____龙门石窟_____ 。
3、默写的典范作品 ____韩熙载夜宴图______ 是五代顾闳中所描绘。全画有听乐、______观舞____、休息、清吹、送别五个情节段落组成，画风精细，色彩艳丽，代表了古代人物画的艺术水平。
4、《清明上河图》的作者是宋代张择端，此作品采用了传统的 ________长卷形式__ ，全图以不断移动视点的办法，即“ ____散点透视______ ”来摄取所需要的景象。《清明上河图》反映的是当时的首都 _______清明时节___ 的繁华景象。
5、皮影戏的影人是 ______生旦净末丑，各角色齐备演出具有丰富、热烈的舞台效果。
6、中国古代称肖像画为“传神”，它要求画家不仅要画出对象的 _______形体___ ， 而且要深入地表现人物的 _____神性_____ 。
7、中国画按画科进行分类，可以为 ____花鸟画______、______山水画____、______人物画____ ，按照技法进行分类，可为 _____工笔_____、写意__________、两大类。
8、美术包括_____绘画美术_____、__雕塑美术________、____建筑艺术______和工艺美术等四大门类，中国美术史上还有两个很重要的门类，分别是_______书法__，____篆刻_____。
9、宋代是瓷器艺术发展的高峰时期，名窑遍及南北各地，各有自己独特的艺术成就，其中重要的有_____弃定用汝_____，_____钧窑器____，_____艮岳山_____，___官窑瓷_______，_____宋室南渡_____。
10、故宫分为外朝和内廷两大部分，外朝区最主要的三大宫殿，自南朝北，依次为_____太和殿、中和殿、保和殿___。
11、苏州地区留存下来的著名园林有苏州的_____留园_____（原名寒碧山庄）、________拙政园__、网师园。心得体会：
经过一学期《美术鉴赏》课的学习，欣赏到了许多东西方不同类型的美术作品、绘画风格，对东西方美术的发展有了初步的了解，并从中感受到了东西方艺术的特点与异同。西方是以人作为艺术表现对象的主体，主体是人物，从古到今，都是这样。因此，在一个人身上，体现出的每一个时代的审美观点也不一样。比方从希腊、罗马时代到拉斐尔、提香、达•芬奇，这些人表现的人体是很古典的，很完整的。那么波提切利则不同了，他表现人体的韵律感、线、节奏，多方面地表现人体。因为时代不同，每个人的感受也不同：比方画人，达芬奇的《蒙娜丽莎》与凡高的《自画像》，都是肖像画，但两者就完全不一样了，同样的肖像，他们画得都很像，都达到了艺术的高峰，但是，每个人都不一样，每个时代的差异很大很大。另外，西方古代绘画都是以人为主题，树木、风景只是作为一种陪衬，作为一种背景，是次要的，到后来获得了独立的发展，才有了风景画、花卉等独立的画种。西方的大师画人物，也画风景、静物、肖像，对象只是作为启发他感受的一个材料，什么东西都可以感受，都可以入画，都可以进入到他的感情。在这个问题上东西有很大的区别。西方早期的风景画，也不是实际的写生，而是在室内闭门造车，画一个大概，因而不是太生动。西方真正的风景画，是印象派油画，真正是对景写生，画出自己不同的感受。每一种风景里面，早上、中午、晚上，即使同一个对象也不一样，这是很写实的。中国画的构图以山水风景为主，一般都是立幅的，山从下面开始，一层一层往上。它的构图比较雷同，可以归纳为四个字：起、承、转、合。“起”，往往都是从几棵树，或者一个沙坡，或者石头、水、亭子开始。“起” 之后，另外一个山来接过去，叫做“承”。“承”之后，因为很长，要适应这个画面，那么要变化，叫“转”，扭曲一下。转到最后，要“合”。这是中国山水画构图的四个字。我们看东西，远景、中景比较丰富??因为远了，形象丰富、重叠，而近的东西则单调。
“美术”一听到这个词就会给人一种美的感受，我的整个心情也变得豁然开朗，这或许是我个人的原因吧！我小时候就比较喜欢美术，但这种喜欢并不意味着我对美术有非常深刻的理解。我只知道美术会给人美的享受，让人完全沉浸在其中。当然了，前提是你喜欢它。原本以为美术就是指画家的画作。比如像那些水墨画、水彩画、油画和素描等。直到上了美术鉴赏课，听了老师的讲解，我才从这个狭隘的概念中走了出来，真正走进了美术的世界，也才真正认识到了美术的博大和内容之丰富。美术一词被我所理解，也正是上了美术鉴赏课以后。下面我就来谈谈对美术鉴赏课的感想：
当初辅导员让同学们选选修课我想既然自己比较喜欢美术，为什么不选美术鉴赏呢？大学应该是一个全面发展的时期，我不能这么死板。第二天，我毅然选择了美术鉴赏。第一次上课给我的感觉是让我很舒心，每次上课我都感觉心情很好，课堂上也很轻松，在课堂上你不用记太多的笔记，只要带上你的头脑就可以了，通过美术鉴赏课，可以使我的视野更开阔，可以拓宽我的知识面。在课堂上，我学到了很多知识，也让我学会了如何去真正地欣赏一幅画，以及画家在画一幅画的时候是抱着何种心情。还有作者到底在一幅画中所想要表达的意思„„
美术的内容和形式是丰富和多彩的。美术，浅意识地理解就是色彩，各种不同颜色的搭配，形成一幅幅画面。一般人们都只了解一幅画的表面含义，如果想了解得更深，就要更深层次地了解美术了。美术，更进一步的理解就是艺术，美术是一门艺术，同时也包含着作者在作画时往往蕴涵着深刻的含义，把自己的心情表现在一幅画中，使欣赏画的人产生共鸣。还有一些作品表现出了某一个时期特定的社会现象，蕴涵着社会矛盾，反映了社会底层劳动人民的生活状况，尤其是在战争时期，也有一些作品是人们无法了解的只能凭感性去认识画家的意图，这些通常具有宝贵的文化和研究价值，例如凡篙晚年的作品，他晚年精神失常，画的一些画总是让人匪夷所思，而如今他的画举世闻名，具有很高的研究价值。正像老师所说的那样，看美术作品更多是关注作品背后的故事，而不是只强调所带来的经济价值。当然经济价值也是一个方面，但是它与美术作品的产生，发展的心酸历史和它所具有的文化，时代价值来说，那就次的多了。因此美术不仅仅是画，美术包含多方面的内容，所涉及的面也非常广泛。 美术鉴赏课让我学到了许多，尤其是在欣赏古代绘画时。欣赏古代绘画，不能以现代的眼光去欣赏，而要结合历史，讲究意境、章法和笔墨。经过漫长的历史进程，美术的发展也越来越多元化。现代美术与古代美术有着本质的差别，现代的美术更多的带有现代的气息，现代画也十分地简明、易懂；而古代美术却让我们很难理解，以现代人的眼光，我认为古画看上去很难让人产生共鸣，必须与历史结合起来，才有所体会。古画也并不讲究进大远小的规律，以人物画为例，重点人物通常占的比例较大，次要部分占的比例较小。
学了美术鉴赏课，真让我受益匪浅，平常对生活粗略地观察也变得细心起来了。让我的文化素质和道德修养得到了提高，还学到了日常生活的一些小常识，让我时刻观察生活中的美，知识面也得到了拓展，短短的课堂可以让我学到如此多的知识。在这课堂上也让我感受到了大学的气息。
作为唐文化形态之一的绘画，继承了六朝绘画的优良传统，又加之统治者的开明政策，在安定繁荣的情况下有了很大的发展。 据《隋书·经籍志》记载，隋炀帝时曾在宫中设宝迹台，专门收藏古画。而唐朝建立后，继承这一政策，在集贤殿书院设画直负责古今图画的收藏，有工作人员八名（见《唐六典》）。杨昇的《望贤宫图》，张萱的《少女图》、《鞦革迁图》皆收录其中。这无疑有力地鼓励了画家们的创作热情。
唐代绘画计有人物、山水、花鸟、鬼神、鞍马、屋宇等分科。专题分科在古代绘画发展上是题材扩大和技术进步的迹象，也标志着唐代绘画在历史上进入全新的发展阶段。
唐代处于封建社会上升时期，封建经济日益发达，为了更好地适应上层统治阶级的审美趣味和爱好，唐代人物画获得了更进一步的发展，其中，道释画、肖像画、仕女画风靡一时。在初唐和盛唐时期分别涌现了一大批杰出的人物画家，如代表初唐美术新水平的人物画家阎立本、尉迟乙僧，盛唐时期寺观壁画的代表画家吴道子，反映仕女生活情态的画家张萱、周昉。此外，花鸟画，山水画也出现多种风格，并逐步趋向成熟、繁荣。在画史上颇具影响力的花鸟画家有画鹤名家薛稷，“花鸟画之祖”边鸾以及鞍马畜兽画家韩幹、韦偃、曹霸等。山水画家有青绿山水名家李思训、李昭道，诗画合一的文人画家王维等。
由于统治阶级宣扬政治的需要，唐代的宫廷衙署及寺观壁画也占相当大的比重，褒扬功勋的功臣画像仍继续流行，如阎立本的《凌烟阁功臣像》。石窟及寺观壁画较之南北朝，无论规模之宏伟，还是技艺之卓绝在历史上都是空前的。如敦煌莫高窟壁画中的《西方净土变》，画面的繁复与盛大既给人敬畏与向往，宣扬了佛教精神；又给人以美感与享受，充满世俗的欢乐。在佛教壁画中，西域画风仍有流行，但具有鲜明中原画风的作品占了绝对优势。敦煌莫高窟130窟的乐庭瓌夫妇的供养像，其中的乐妻王氏像，丰腴秾丽，悠然自若，呈现了一派唐代社会的大气雍容。
唐代的画论著作有彦悰的《后画录》、李嗣真的《续画品录》、裴孝源的《贞观公私画录》、朱景玄的《唐朝名画录》、张怀瓘的《书断》等。最具有代表性的著作是张彦远的《历代名画记》，它是我国历史上第一部系统的、完整的，关于绘画艺术的通史。张彦远认为，绘画艺术不仅是艺术门类的一种，同时还是一种重要的文化现象，并强调了如何对待绘画艺术的传统性以及绘画内容的现实性问题，《历代名画记》是对唐代以前中国绘画理论和历史研究的总结概括，并为以后的研究奠定了基础，在中国绘画史学的发展中，具有无可比拟的承先启后的里程碑的意义。
唐代社会的整体精神蓬勃向上，社会氛围积极开放，在时代赋予的丰厚土壤之上，唐代美术必然获得空前的发展。而绘画作为唐代美术的首要代表，亦充分体现了对外交流的辉煌成果。
唐代的人物画发展已走向成熟阶段。就绘画题材而言，画家们不仅善于描绘上流社会，宫廷贵族仕女等的生活情态 ，外来题材也非常流行，这恰恰是当时对外交往活跃的真实写照。著名的人物画家阎立德、阎立本兄弟就很擅长表现外来题材。唐朱景玄《唐朝名画录》云：“阎立德《职贡图》异方人物诡怪之质，自梁、魏以来名手，不可过也。”《职贡图》记录了外国和边疆少数民族的使节到唐朝朝贡的场面，共有波斯（今伊朗）、百济（今朝鲜）、倭国（今日本）等国使节12人。在每个使者的旁边，都用楷书记录了这个国家的地理位置、山川地貌及风土人情等情况。全图主要采用高古游丝描来刻画人物形象和表现服饰纹理。阎立本的重要传世作品《步辇图》记录了贞观十五年唐太宗李世民会见吐蕃使臣禄东赞的重大历史事件。唐太宗的雍容大度有气魄，禄东赞的谦卑有礼又自信的神态皆刻画的生动传神。《步辇图》不仅歌颂了唐太宗的英明睿智，体现了泱泱大国的宏伟气魄，还记录了汉、蕃两族的友好关系，说明了唐人的开放气魄。据史载，阎立本还画过《职贡狮子图》、《西域图》等反映中亚题材的绘画作品。
如何欣赏美术作品: 美术的定义：美术是一个比较广泛的概念，它是采用造型手段塑造礼堂形象的众多艺术类型的总称。一般包括绘画，雕塑，工艺美术，工业设计和书法，篆刻。有时也把同样具有造型和礼堂特点的建筑，园林和摄 影艺术等纳入其中。美术使用的材料极其广泛，包括从颜料到金属，石料，竹木，陶土，纤维，织物，皮革，塑料等等几乎一切能够构成直观形象的天然的和人工的材料。 美术的主要特征是什么：美术是造型艺术中最重要的部分，感知方式上是属于视觉的，在存在方式上要占有一定的空间，因此具有造型性视觉性和空间性 。1.造型性（塑形，但，不能因此而认为美术只能反映生活的外在现象，对于反映内在的本质，精神，心理等就无能为力。美术作品可以通过艺术形象的外部牲，表现内在的精神，思想，情感和意义等。） 2.静止性（是静止的，不同于某些艺术种类所创造的可视的活动图像。）
美术的主要类型：1.绘画（以线条，色彩，块面等造型手段，塑造具有一定内涵意味的平面礼堂的艺术样式。使用的物质材料和技法的不同，分为许多品种，其中主要的是油画，水墨画，版画，水彩画，水粉画，壁画，素描等。油画具有极高的表现力，创造了辉煌成果，对世界绘画的发展也产生了极大影响。油画色彩丰富，能体现色调层次，光线，质感和空间感，能真实生动的描绘一切有形事物。水墨画主要使用墨和水质，中国画是其代表，因此中国画也经常成为水墨画的同义词。主要用线条勾画形象，十分重视笔墨技法，采取散点透视的观察与表现方式，形象创造和画面构图有更大的自由度。因侧重点不同，形成工笔画和写意画。版画是通过制版来印制作品的一种绘画样式。有木刻，铜版，石版，麻胶版，丝网版等。壁画是指绘制在内外墙壁和天顶上的作品。它的制作手段多种多样，除了一般描绘 之外，还有镶嵌，拼贴，雕刻，陶瓷工艺以及综合手段等等。） 2.雕塑（雕塑是最有实体感的造型艺术类型，雕塑的题材，只适合于可以通过表态形态来表现的内容。从长期的来看，雕塑主要是表现人，特别是人体，有时也可以动物为题材。雕塑形象具有单纯性。还注重发挥材质的审美作用，表现形式上由于实际深度的不同，分为圆雕和浮雕两种类型） 3.工艺美术（传统工艺美术有陶瓷工艺，金属工艺，竹木工艺，纺织工艺，印染工艺，玻璃工艺，漆器工艺，服饰工艺和石雕，玉雕，骨雕等等。） 4.现代工艺设计（一方面满足人们对于新的物质产品的需求，同时也使众机械化生产的产品缺乏美感，只须使 工业技术和美术设计结合起来，才能生产出在市场上更受欢迎的产品，同时满足人们对于物质和精神两方面的需要。）
素描的概念（素描是一切造型艺术的基础，是造型艺术中的一门基础学科。） 学习素描为建筑设计，室内设计，装饰设计，规划设计，园林设计，工业造型设计等专业打下了基础。造型艺术的核心是形与色。其中形为主导，色是表达的语言，说明形的因素很重要，列形的色在造型中是无意义的。素描作为造型艺术的一门基础学科，最重要的是培养正确的观察，分析，综合分析，并把它生动，形象的表现出来的能力。
素描的种类（1.根据绘画工具的不同分类 2.根据绘画内容的不同分类 3.根据造型 方法或表现方法的不同分类（结构素描a.线的粗细，浓淡，虚实，长短，曲直，刚柔，疏密的变化来表现对象的开头，结构，体积，质感空间等变化）明暗素描（通过明暗调子的深浅，虚实，强弱等多种对比和变化的手法来表现和塑对象立体感，空间感质感和光感等。））
素描的工具：铅笔，能表现丰富细腻的层次，调子色域宽，固定，而且又易擦拭，修改，也能大笔涂抹。
纸：质地分软，硬，粗，细，厚，薄这分。 橡皮：“擦，打，扫，贴，润，提，画”。
画板：大，中小多种型号，初学者用中号画板60cm#45cm最为适宜。 素描基本术语：（1.形体 2.结构 3.轮廓 4.明暗 5.空间感，体积感和质量感）
作画的基本步骤与方法：a.落笔之前 b.构图起稿 c.大体明暗 d.深入刻画 e.整体调整
静物写生应注意：a.如何摆静物。静物在内容上要尽可能协调，合理。如木工的工具和水果茶具不协调。
b.形体上要有对比。 c.物体的造型要鲜明，有主有次。d.物体的色彩应有差异。一组静物必须考虑具有黑，白，所作的事三大明暗层次，同时也要注意它们相互间的轻重分量和位置的搭配。e.物体质地应有差异。摆放静物时，应考虑到不同质感物体组合在一起形成的对比，如软与硬，厚与薄，光滑与粗糙以及的轻重对比等。
静物写生的基本步骤：1.选择写生的最佳角度。 2.具备了和谐的构图，大致正确的形体造型后，把整体的明暗块面作概括的 表示。然后，把静物色彩的黑白灰关系比较一下，按转折的层次在形体中表现出来。这一步也恰 好是画水粉静物时涂大色块。3.从主体的前景开始，深入具体地象。由于有了初步的色彩明度，现在的重点应是体明暗色调的变化，使其进一步充实起灭，造型更加完整 。4.盘中的水果具有丰富的中间色彩层次，要注意归纳，概括，使其层次分明，具有立体感。同时要考虑与后面的陶罐，背景布的关系，要把它们之间的距离拉开。 速写的目的是培养画者敏锐的观察力和艺术概括的表现能力，用精练，简洁的笔墨捕捉物体的内在精神。速写是素描的一部分，二者不可侵害，又不能相互代替，它们各有特点，互相促进。
速写可分为速写和习作性速写两种。速写是为积累素材进行的速写，其目的不以提高基本功为主。习作性速写由慢到愉，由静到动，由浅到深，由简到繁，循序渐进的练习方式，反复多次的训练，提高敏锐的观察力和动手能力。 速写的基本要求：速写时面对繁杂的事物，画什么，怎么画，要求画者要精心观察，心中有数。根据自己感受，抓信对象的主要牲，做到胸有成竹地下笔。速写由于时间短，不能把对象作细致的刻画，因而用笔力求洗练概括，自如浏，生动准确。。作画时不能只顾用笔的酒脱，而不顾内容的表现，把线条的作唯一的目的去追求。否则，会导致速写的公式化， 缺乏准确性，真实性。 准确性在速写中一般不作严格要求，由于时间和环境的因素，能与对着物体精描细绘的素描要求相一致。过于强求速写的准确性，势必会产生用笔刻板，生涩，失去其轻松，流畅的韵律。
默写和记忆：默写记忆训练对增强速写的能力，对素描的理解及想象能力大有帮助。在平时的训练当中，只要做到持之以恒，必有收获。
构图：广义的构图指全部过程，即从构思到作品完成的立意。所形成的一种含有画面组合，构成关系，其中包括了作者的思想，感情等一毓艺术活动在画面表现上的体现。狭义的构图即是指置拜布势，经营位置而言，强调的是一幅画的。
美术构图类型：1.以线性分类的构图，垂直线，水平线，斜线和s曲线 2.以形分类的构图形态 十字形，L字形和三角形，圆形。
怎样把握美术构图的主次关系：主要形象除战友有重要的位置之外，往往分量较重色，色彩较为鲜明，笔触，结构较为严谨，姿态，气势较为突出。 如何把握和谐和节奏：
和谐（1.类似，2.方向 3.相关性 4.对称 5.重复与渐变 6.均衡与对比 7.比例协调 8.形式与内容的有机结合。 颜料：
白-钛白，锌钛白，锌贝白等。钛白最亮。遮盖力较强，不透明，与其他颜色混合时能提高明度。
黄-有柠檬黄，淡黄，中黄，土黄，桔黄等。最为透明，介是遮美国力差，而土黄，桔黄不透明，遮美国力较强。
红--朱红，大红，曙红，玫瑰红，土红等。其中，朱红，大红，土红不透明，遮盖力均较强，曙红与玫瑰红，稍有透明感，遮盖力较差，极易泛色上浮，较难控制。土红极为稳定，可代替赭石使用。
绿-有淡绿，粉绿，翠绿，深绿等。其中，淡绿与翠绿略有透明感，遮盖力较差 蓝-钴蓝，湖蓝，群青，普蓝， 孔雀蓝等。除钴蓝外，其余颜色略有透明感，遮盖力均较强，孔雀蓝与钛青蓝相近。
紫--有青莲与紫罗蓝等。遮美国力较强，但是色相不够稳定，常以红蓝相调代替。
第17篇：美术鉴赏
玉林师范学院
“美术鉴赏”课程论文
授课学期 2013 学年至 2014 学年 第一学期
学院生命科学与技术学院
专业生物科学
学
姓号201210401203名梁林英
任课教师杨日华
交稿日期2013-12-
2成绩
阅读教师签名
日期
中国画鉴赏
摘要:中国画是中国传统民族绘画的统称，也称国画或水墨画。它以墨为主要颜料，以水为调和剂，以毛笔为主要工具，以宣纸和绢帛为载体的具有民族特色的特有画种。它植根于华夏浓厚的文化沃土之中，跨跃不同时空，历经萌芽、发展、成熟、创新、再发展的诸多不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系。它与西方的油画形成了两座并峙的艺术高峰。
关键字：山水画写意花鸟画
中国画具有十分悠久的历史渊源，同时也具有与时俱进的时代风格，它不仅是中华文化的国宝，也是传承中华民族精神的主要载体。中国画第一特点是意境创作的追求，推陈出新是中国画进步的宗旨，中国画主张“缘物寄情”，“以景寓意”，“以神取形”，“笔不周而意周”，“笔不工而心恭”。在概括客观物象的同时，必须融进画家的主观感受，透过描绘对象创造形象的方式来借以体现画家的主观感受，使主观情感和客观的物象精神性格交融和转化使画家在作画前的主观感受得以充分的表达，而产生动人心魄的意境创作。
以下介绍山水画和写意花鸟画的一些知识。
山水画
传统山水画是中国传统绘画的重要组成部分,其中的“意境”具有特殊含义,它从出现到成为中国画审美的首要要求,经历了数千年的时间。从魏晋时期开始,士人个性的觉醒使画家不再满足画面仅仅是传达知识信息,而是希望通过画面来表达更深层的意愿,从而产生了对画面精神层面的要求。近代美学家宗白华先生从人与世界接触产生的不同的关系层次中总结出艺术境界：“功利境界主于利,伦理境界主于爱,政治境界主于权,学术境界主于真,宗教境界主于神。但界乎后二者的中间,以宇宙人生的具体为对象,赏玩它的色相、秩序、节奏、和谐,借以窥见自我的最深心灵的反映；化实景而为虚境,创形象而为象征,使人类最高的心灵具体化、肉身化,这就是艺术境界。艺术境界主于美。”。
山水画以山川自然景观为主要描写对象的中国画。形成于魏晋南北朝时期，但尚未从人物画中完全分离。隋唐时始独立，五代、北宋时趋于成熟，成为中国画的重要画科。传统上按画法风格分为青绿山水、金碧山水、水墨山水、小青绿山水等。
山水画的确立由顾恺之的《洛神赋图》和《女史箴图》开始。《洛神赋图》是顾恺之根据曹植的《洛神赋》而作,是诗画结合的杰出典范,代表了当时绘画的最高水平,也几乎包含了魏晋时期普遍的美学特点。 全卷分为三个部分，曲折细致而又层次分明地描绘着曹植与“洛神”真挚纯洁的爱情故事。人物安排疏密得宜，在不同的时空中自然地交替、重叠、交换，而在山川景物描绘上，无不展现一种空间美。展开画卷，只见站在岸边的曹植表情凝滞，一双秋水望着远方水波上的洛神，痴情向往。梳着高高的云髻，被风而起的衣带，给了水波上的洛神一股飘飘欲仙的来自天界之感。她欲去还留，顾盼之间，流露出倾慕之情。初见之后，整个画卷中画家安排洛神一再与曹植碰面，日久情深，最终不奈缠绵悱恻的洛神，驾着六龙云车，在云端中渐去，留下此情难尽的曹植在岸边，终日思之，最后依依不忍地离去。这其中泣笑不能，欲前还止的深情，最是动人。
全画用笔细劲古朴，恰如“春蚕吐丝”。山川树石画法幼稚古朴，所谓“人大于山，水不容泛”，体现了早期山水画的特点。
写意花鸟画
中国画能够独秀于世界画坛,除了它的收敛众景、计白为黑的构图法则之外,还有一个就是通过丰富多彩、诡谲变幻的笔墨语言表达出独有的画面效果。笔墨,是中国画技法和理论上的术语,亦可作为中国画技法的总称,单从技法方面来
说,“笔”是指勾勒、皴点等笔法,“墨”是指破、积、烘、染等墨法。本文认为笔墨主要有技法和精神气韵两个层面,两者既相互联系,又是相对独立的。对于笔墨来讲,意象是第一位的,笔墨从属于意象。笔墨是中国式的绘画语言,也是中国写意画独特风格的命脉。无论是写意花鸟画笔墨发展的历程或是中国画家个人笔墨的修炼过程,也都体现着笔墨精神的重要性。经过历代画家对中国画的研究,尤其是笔墨书法化，绘画的终极境界便不再是以优秀的笔墨创造去展现逼真的造型对象,而是以优秀的笔墨创造去抒写适意的主体精神。
花鸟画的一种，花鸟画中的画法中有“工笔”、“写意”、“兼工带写”三种。而写意花鸟画即用简练概括的手法绘写对象一种画法。花鸟画在长期的历史发展中，适应中国人的社会审美需要，形成了以写生为基础，以寓兴、写意为归依的传统。
所谓写生就是“移生动质”，就是“变态不穷”地传达花鸟的生命力与各不相同的特性。所谓寓兴，通过花鸟草木的描写，寄寓作者的独特感处，以类似于中国诗歌“赋、比、兴”的手段，缘物寄情，托物言志。所谓写意，就是强调以意为之的主导作用，就是追求像中国书法艺术一样淋漓尽致地抒写作者情意，就是不因对物像的描头画脚束缚思想感情的表达。
为此，中国花鸟画的立意往往关乎人事，它不是为了描花绘鸟而描花绘鸟，不是照抄自然，而是紧紧抓住动植物与人们生活遭际、思想情感的某种联系而给以强化的表现。它既重视真，要求花鸟画具有“识夫鸟兽木之名”的认识作用，又非常注意美与善的观念的表达，强调其“夺造化而移精神遐想”的怡情作用，主张通过花鸟画的创作与欣赏影响人们的志趣、情操与精神生活，表达作者的内在思想与追求。
表现在造型上，中国花鸟画重视形似而不拘泥于形似，甚至追求“不似之似”与“似与不似之间”，借以实现对象的神采与作者的情意。
在构图上，它突出主体，善于剪裁，时画折技，讲求布局中的虚实对比与顾盼呼应，而且在写意花鸟画中，尤善于把发挥画意的诗歌题句，用与画风相协调的书法在适当的位置书写出来，辅以印章，成为一种以画为主的综合艺术形式。
在画法上，花鸟画因对象较山水画具体而微，又比人物画丰富，所以工笔设色更具写实色彩或带有一定的装饰意味，而写意花鸟画则笔墨更加简练，更具有程序性与不可更易性。
欣赏郑思肖的《墨兰图》，这是一幅非常抒情的文人写意水墨画，描绘出兰的野逸、不畏风霜，孤高自傲，无人花自馨的高尚品格。作者借笔墨抒发胸中逸气，是自我思想品格的写照。作者借兰花的自叙，表达自己超凡脱俗、清高自傲的襟怀。这种以诗配画的表现手法，缘物抒情，深化了题意。郑思肖的《墨兰图》卷，是画兰史上影响最大、最早的作品。
中国画的“画分三科”，人物、花鸟、山水，表面上是以题材分类，其实是用艺术表现一种观念和思想。所谓“画分三科”，即概括了宇宙和人生的三个方面：人物画所表现的是人类社会，人与人的关系；山水画所表现的是人与自然的关系，将人与自然融为一体；花鸟画则是表现大自然的各种生命，与人和谐相处。三者之合构成了宇宙的整体，相得益彰。这是由艺术升华的哲学思考，是艺术之为艺术的真谛所在。
参考文献：
《关于中国传统山水画中意境的解析》金鑫南京师范大学
《盛世收藏》——顾恺之
《论写意花鸟画中的笔墨》——朱慧旎
第18篇：美术鉴赏
略对美术作品鉴赏
今晚我们在老师的带领下，参观了美术系画展。面对琳琅满目的美术作品，我只能挑选一些给我留下印象深刻的作品进行鉴赏。
《小女孩》中的画面描绘了一个面带笑容，身着色彩鲜艳的和服，右手上有一只翩翩起舞的蝴蝶发小女孩。画中背景虽然色彩浅淡，且有大面积空白，但饱满的构图仍使画面显得完整充实。这样的构思主次有分，能使作者的主题更加突出，清晰明了。这幅画最成功的一点是以形写神，形神兼备，把人物的神情描绘的如此真实自然。观看者看了小女孩那天真无暇，甜美的笑容，自己也会不由自主地露出微笑。而且鲜艳的色彩，绘画的高雅同样是观看者的视觉享受。
其中一幅画描绘出了两个现代女子神情各异，但都望着地上，陷入遐想沉思中的情景。从画中可以看出，作者很注重人物眼神刻画，以及会利用画笔表达出人物的心理状态和内心活动。作者把两个女子的面无表情的坐在那里的情景描绘的如此淋漓尽致，惟妙惟肖。同时作者营造出一种美好境界，引发了观看者的想象联想。到底是什么导致这两个女子表情呆滞？是因对现状的无奈，还是因为对未来的迷茫。
还有一幅画以连绵不断的高耸的大山做背景，一个衣衫褴褛的小女孩的手上拿着锄头，旁边放着一个装满草的竹筐，还有一个比她还小的小男孩。小女孩用坚定的眼神望着远方。作者用有力的线条勾勒出小女孩的形象，写形传神。作者的创作意图是身处深山的小女孩并没有被周围恶劣的环境所打败，她依然对未来充满希冀，依然憧憬未来。这幅画让我们观看者一股奋发向上的力量。不管遇到什么困难，也不能失去对 未来的信心，勇往直前！
以上是我对美术作品做出的鉴赏。俗话说外行看热闹，内行看门道。要真正鉴赏美术作品，还应当了解一些美术基础知识，这是我写完这篇作文的深刻体会。
第19篇：美术鉴赏目标
第1课 培养审美的眼睛——美术鉴赏及其意义教学设计 教学的重点与难点
本课教学的重点在于培养审美的眼睛，掌握美术鉴赏的一般方法，认识美术鉴赏对于个人未来人生发展的重要价值和意义。
本课教学难点，主要是如何结合实例讲清美术的主要分类方法、美术鉴赏的概念和美术鉴赏的一般过程或方法。
第二课 美术家是如何进行表达的？
教学重点：认识美术的语言，其中包括概念、内容及其形态分类。
教学难点：主要在于美术语言既是具体的、可分类的，又包含在整个美术作品之中，因而势必增加学生理解的难度，所以必须结合具体作品，调动学生以往的美术知识，通过多样的美术作品来认识和讲解。
如实地再现客观世界——走进具象艺术”教学设计
探索重点：
具象艺术的三个主要特点及其功能的学习，以及对美术鉴赏方法的具体运用，并进而认识具象艺术的意义。
探索难点：
主要在于分辨具象艺术的能动性，即具象艺术以其对艺术形象的典型性处理——对典型形象和典型环境的塑造而区别于摄影。正因为这样，具象艺术不是被动的模拟现实，而是对现实的能动反映。
《走进意象艺术》教学设计
二、教学目标
通过鉴赏一些有代表性的艺术作品，并结合教学大纲和高中生具有较强的判断辨别能力，主要是引导学生对知识的组织与归纳，注重学生发表个人的独特见解，培养学生的合作性学习、探究性学习、自主性学习的能力。因此，我制定以下教学目标：
1、使学生认识意象艺术是美术作品常用的表现形式之一。
2、使学生初步了解和认识什么是意象艺术，如何来辨析意象艺术。
3、理解意象艺术在美术作品中更倾向于表现艺术家的心理真实，形象更集中，更典型的表现力和形式美感。
三、学习重点
使学生分清意象艺术与具象艺术的区别，并初步掌握分辨什么是意象艺术，以及意象艺术的主要特征，尤其是从意象艺术的艺术形象和艺术语言，以及艺术家的意图方面来辨析意象艺术的主要特征。
四、探索难点
如何解决清楚什么是意象艺术，以及究竟如何理解意象艺术，理解意象艺术的创作构思，以及意象艺术和作者个人主观意识的整合。
《走进抽象艺术》教学设计方案 知识与技能
了解什么是抽象艺术，以及抽象艺术与具象艺术和意象艺术的区别，认识着名的抽象艺术家及其代表作，学会区分冷、抽象和热抽象，并能准确的判断。
过程与方法
感受大自然中的抽象艺术，寻找音乐与抽象艺术的联系，抽象艺术在设计领域的应用，并尝试创作一件抽象艺术品。
情感态度与价值观
了解抽象艺术特殊的艺术美，提高自己对艺术表现形式的感受及欣赏能力。 教学重点
通过了解欣赏世界着名抽象画家的作品，感受体验抽象绘画的特征。 掌握美术鉴赏的一般方法，培养审美的能力。 教学难点
引导学生如何欣赏，感悟抽象绘画。拓展思路，从不同的领域领会抽象艺术美。 艺术美和形式美 教学目标：
1、知识与技能：感知美的多种形态，了解什么是美术作品的艺术美和形式美及二者的区别与联系；并能运用它们进行美术鉴赏活动。
2、过程与方法：促进学生欣赏评述、语言表达能力的发展；锻炼学生实践操作能力，提高审美素质。
3、情感、态度、价值观：
开阔学生视野，获得正确的审美观念，帮助学生自我建构学科体系，完善、健全学生人格，提升审美品位。
重点：理解形式美语言元素、手段和语言规则，并能用之进行美术作品赏析。 难点：艺术美和形式美之异同及其相关概念的理解。 《分析理解美术作品的创作意图》教学设计
1、教学目的：
本课讲述的艺术家的创作意图是理解美术作品的必要环节。教学目的主要是为了打破学生美术神秘的观念，使学生认识到，任何艺术家的创作都不是任意的，而是表达了艺术家的某种意图，这种意图可能是针对现实的，也可能是针对艺术的，而且无论是针对什么，它们都与艺术家所生存的社会和文化情境有着密切的关系。我们从对艺术家的生存和成长环境中就可以找到艺术家创作美术作品的意图，进而帮助我们理解美术作品。
2、教学重点与难点：
本课教学的重点是要让学生认识并理解艺术家的创作并不神秘，而是都表现了艺术家的某种创作意图，而这种意图又都具有其现实的依据。同时，不同的美术类型表现意图的方式也是不同的。 难点 要分清艺术家的创作意图与美术作品的内容和形式之间的关系。
美术作品的意义与价值判断 1.知识与技能目标 2.过程与方法目标 3.情感态度与价值观目标
教学重点 基本掌握美术作品的意义与价值判断的方法，主动参与美术作品的鉴赏活动，能够正确应用对比的方法阐述自己对作品认识。
出示作品—引起讨论—深入探究—感悟课程中心主题—学会判断。
让学生在课文中美术作品的分析、理解、判断、甄别的过程中，运用情感与知识来对作品的意义与价值进行正确的判断。
使学生了解美术作品的意义与价值与时代性和地域性有着密切的关系；使学生了解对美术作品的意义和价值的判断可以有不同的角度。
要准确判断作品的意义和价值就涉及到多方面的因素，在教学中要能精确地把握它们之间的关系。 教学难点
《中国古代绘画撷英》
2、教学目标
①知识目标：让学生对中国绘画的艺术特点作基本的了解和认识。
②能力目标：通过引导学生掌握欣赏美术作品的方法，提高学生的美术欣赏能力。
③美育目标：通过美术作品的欣赏，使学生开阔眼界，增长知识，陶冶爱国主义情操。培养学生健康的审美趣味，树立正确的审美观点。
4、教学重点难点
教学重点：引导学生对我国悠久的文化传统和绘画艺术作基本的了解和认识。。
教学难点：涵盖面比较广，无法详细地进行介绍。引导学生掌握美术作品的欣赏方法，提高美术欣赏能力。
外国古代绘画撷英 【学习目标】 通过视频短片学习了解古代文明的艺术成就。
通过图片的欣赏，掌握不同时期艺术风格的变化。
通过学习和对比，体会我国作为“四大文明古国”之一的自豪与骄傲。 【学习重难点】
教学重点：通过对不同时期、不同风格、不同民族、的绘画作品的分析、比较，使学生认识外国绘画的丰富性与多样性。
教学难点：领会不同绘画形式上的差异及其与现实生活、宗教、审美观念的联系。 中国古代陵墓雕塑和宗教雕塑
2、教学目标：
（1） 知识与技能：通用本课学习，使学生了解中国古代陵墓雕塑和宗教雕塑的杰出代表及其艺术特点，提高欣赏古代雕塑的能力。
（2） 过程与方法 ：教师提出问题，学生思考、讨论、回答。根据教学需要在课前把学生分成几个研究小组，研究不同的知识块面，并在课堂上汇报研究结果，能够体现团队意识，有利于知识的融会贯通，提高研究性学习能力。通过实地参观游览并结合本地资源，使学生了解本地风土人文环境，热爱家乡的雕塑建设。
（3） 情感态度与价值观：通过本课学习使学生热爱家乡雕塑建设，具有保护古建筑意识，开拓艺术视野，陶冶雕塑艺术情操。提高艺术素养的感知能力,激励学生热爱民族传统文化艺术，激发学生民族自豪感。
3、教学重点与难点：
重点：让学生了解秦始皇兵马俑和霍去病墓前石雕群出现的历史背景及艺术特征。 难点：比较秦始皇兵马俑和霍去病墓前石雕异同点，欣赏评价优秀代表作品。
外国雕塑撷英 教学目标：
1、了解外国古代雕塑的主要类别、发展状况、突出成就及不同民族雕塑的主要特点；
2、领会不同地域雕塑在表现形式及审美观念上的差异；
3、能够识别外国重要雕塑作品的风格、特点及时代特征，使学生开阔视野，增长见识，陶冶情操，提高艺术素养和审美感知能力。
教学重点：使学生对外国雕塑的重要作品及其特点有基本的了解，能够识别不同地域、不同风格的重要雕塑作品，加深对世界艺术多样性的理解。
教学难点：使学生领会不同民族雕塑与特定的宗教、审美观念、生活习俗的联系。 西方现代艺术教学设计 教学目标
通过对西方现代主义艺术的介绍，使学生能正确认识现代主义艺术，初步学习用视觉艺术的语言去感受和欣赏西方现代艺术作品，了解西方现代主义艺术的特征。从而开阔眼界，增长知识，树立正确的审美观念。
过程与方法
经过自我的情感体验、观察、探索，运用比较、感悟等鉴赏方法初步了解西方现代主义艺术的艺术特色。
教学重点与难点
重点：西方现代主义艺术的欣赏方法 难点：正确认识和理解西方现代主义艺术
《中国现代美术》教学设计
1知识与技能：了解中国现代美术概况，知道中国现代绘画、雕塑的代表性的美术家及其代表作品
2过程与方法：学生通过鉴赏典型的作品，分析作品的特点，探究掌握欣赏作品的技巧，提高鉴赏作品的能力。
3情感态度与价值观：通过对于本课的学习，使学生热爱艺术，热爱生活，有很强的审美价值观。
六教学的重、难点
1、教学重点
是对中国现代绘画与中国现代雕典型作品的分析与理解。
2、教学难点
分析、理解中国现代传统型与融合性中国画的作品 辉煌的中国古代工艺美术
1、知识与技能： 了解代工艺美术的主要类别、发展概况、突出成就以及重要的工品种的基本特征
2、过程与方法： 通过提问方式结合学生回答，逐步深入阐述主要工艺美术种类的成就特点。降低学习难度，符合学生学习的要求。
3、情感态度与价值观： 将中国工艺美术与中国文化相联感受其文化基础引发学生学习兴趣，陶冶情操，增加学生对民族文化的认同感，提升学生的民族自豪感。
三：教学重难点：
教学重点： 了解中国古代工艺美术的主要类别、发展概况、突出成就，把握各主要工艺品种的基本特点及时代风格。
教学难点： 通过各类工艺品的造型、装饰，领会其审美特点及文化内涵，从而对中国古代工艺美术有较深入、准确的认识。
《中国民间美术》教案设计 知识与 技能
过程与 方法
情感态度 与价值观 了解中国民间美术的概念、种类及艺术特点，初步掌握民间美术的一般欣赏要点。
采取“提出问题-引导分析-归纳总结”的方式，调动学生的积极性与自主性，培养学生
欣赏分析民间美术的能力。 让学生感受民间美术的魅力，激发学生对民间美术的喜爱，培养学生对祖国传统艺术
的传承与创新精神。
教学重点
教学难点
知识与 技能 过程与 方法
了解民间美术的概念、种类及主要的造型特点、象征寓意。
理解民间美术与民俗活动、民俗文化的关系，认识到民间美术所具有的价值。
《探寻建筑艺术的特点》教案
了解建筑艺术的特点及特色 讲授，图例，讨论
通过欣赏古今中外建筑，感受不同的建筑、园林艺术风格和不同的情感态历史文化，激发学生对于我国山水园林和建筑的热爱，以及对大自然、度与价值观
环境美的关注，提高学生的环保意识。
教学了解和掌握中外建筑发民历史具有代表性的建筑类型及其主要风格、特征 重点 教学探讨不同类型建筑的艺术风格之形成原因。 难点
漫步中外建筑艺术》教学设计
知识与技能：
能够对古代希腊、埃及、罗马建筑艺术等不同类型的西方建筑作品进行分析和探讨，了解和认识各类型建筑的历史文化背景、风格特征和艺术成就，了解建筑艺术在人类生活中的作用，达到开拓视野，增长知识，提高审美情趣，培养鉴赏建筑艺术的能力。
过程与方法：
过程：探索交流——讨论分析——比较总结——实践应用
方法：利用多煤体等多种渠道，通过收集资料、交流、分析、小组讨论等自主、合作、探究学习的方式完成对建筑艺术作品的分析和探讨。
情感态度价值观：
能够领略建筑艺术之美，了解建筑艺术的人文内涵。形成善于思考、勇于探索、互助合作的学习态度。感受古人深遂的建筑思想，尤其是嘉庚先生崇高的民族气节，热爱祖国优秀传统文化尊重世界多元文化，并且懂得珍惜和保护它们。
教学重点：
古埃及、希腊、罗马建筑艺术的伟大成就及其艺术风格与内涵。 教学难点：
探讨不同类型建筑的艺术风格之形成原因。 漫步中外园林艺术》教学设计
教学目的
1、学生了解中外园林艺术的流派和特色，建立对园林艺术基础面貌的认识。
2、学生探讨并体验不同园林风格背后的审美文化上的差异，发展感知能力和形象思维能力。
3、学生体会中国园林的特殊意义，树立发扬民族文化的信心，能注意和生活结合。
四、教学难点
以中外园林艺术特点为出发点探索不同园林艺术流派的产生原因和发展脉络，结合生活实际分析艺术现象背后的本质原因和决定因素。
五、教学重点
1、了解中外园林的主要流派，建立对园林艺术基础面貌的认识；培养初步的鉴赏力。
2、初步掌握南北方园林整体风格的区别。
城市建设开发与古建筑的保护 教学目标
1．知识目标：本课教学的基本目标是使学生正确认识文物古迹的价值，理解文物古迹保护的原则和基本方式，懂得保护身边的古建筑，尽早树立起尊重文物、尊重历史的观念。
2．能力目标：本课教学的扩展目标是一种能力的培养和思维的训练，即以城市建设与古建筑保护为出发点，引导学生学会从生活中发现问题，思考问题，并通过自己的思考寻找解决方案。
3．情感、态度与价值观：激发学生的审美情趣，培养学生感知，使学生形成多元化的价值观和健康的审美情趣，不断提高学生的人文素养，形成健全的人格品质，引导学生在今后的生活中积极关注城市建设开发问题，为城市建设开发和古建筑保护出一份力，作到城市公民应尽的责任和义务。 教学重点：帮助学生全面认识古建筑价值，树立保护古建筑的观念。 教学难点：学生通过思考，探讨保护与开发的协调方式。
第20篇：美术鉴赏论文
美术鉴赏论文
班级：11经管（4）班
姓名： 学号： 指导老师：
写作时间：2013年6月6
日
美术鉴赏论文
摘要：中国画国画在内容和艺术创作上，反映了中华民族的民族意识和审美情趣，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。国画强调“外师造化，中得心源”，融化物我，创制意境，要求“意存笔先，画尽意在”，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。由于书画同源，两者在达意抒情上都强调骨法用笔、因此绘画同书法、篆刻相互影响，相互促进。
关键字：国画
山水画
一个学期的美术欣赏课结束了，我受益良多。虽然不能说是精通，但是至少还是懂得了一些。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。这篇论文我就围绕“中国画”谈谈我的认识。
中国画是中国传统绘画的主要种类。从美术史的角度讲，民国以前的国画我们都统称为古画。在古代，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样。中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。
中国画历史悠久，两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物，山水画、花鸟画亦在此时萌芽。隋唐时期社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿，距离时代和生活愈去愈远。
以山水画为例，我们来了解下中国画的产生，发展及其内在精神。 山水画萌芽于晋朝，顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画，人最难，次山水，次狗马”山水画已成为一个主要表现题材，我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意，山水可夸大其气势表达出其意境即可，狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪，基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子，传本〈洛神赋图〉中的山水部分，确实如其所言“群峰之势，若细饰犀拮”，或“水不容泛，人大于山”无论是山水还是树石，都表现为高度的概括化，比如树的表现，银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括，树枝的“列植之状”也是“若神臂布指，离现实生活中真实的印行树有很大距离，正如前边所论“凡画，人最难，次山水，次狗马”。山石仅以“高古游丝”线条勾勒，而没有皴法，但我认为，水法和云法的表现是极为纯熟的，水云的流态动势相当完美，由此可见，山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了。
初期的山水画往往是人物活动的背景，配景，即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的，山水画初期的这种形态是不足为奇的，虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多，顾凯之，宗炳，王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐，五代诸朝，山水画渐盛。他们可谓山水画的先驱，六朝时期是中国山水画的真正起点，虽说是中国历史上政治最黑暗的时期，却导致了美学上的最灿烂，我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士，且当时类似于陶哦渊明，谢灵运的隐逸思想普遍流行，此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展，谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证，他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路，王维的“诗中有画，画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。
山水画在六朝时期兴起的另外一个重要原因是艺术家自身的发展。汗以前的艺术家往往以工匠身份出现他们都依靠绘画的手艺谋生，绘画是功利的，必须围绕服务对象的要求进行创作，但也不同程度促进山水画的发展。
说山水画的内在精神，中国山水画十分强调作者的主观因素，在山水画创作中，作者对自然界的认识理解，以及作者的情感流露是起着主导作用的，画家应当“以情入画”力求“情景交融”，正如在一幅山水画上题一首诗或多一个红戳更能增加山水画的内在精神和蕴涵，在对客体世界有一个多侧面深层次认识的基础上凭借心灵感受概括勾画出山水形象，者便是“迁想妙得”许多优秀的山水作品所显露出来的气质和高雅的格调，并不仅仅是因为作者具有深厚的笔墨功力，更重要的是作者具有饱满的创作激情和高深的文学修养。因此山水画家的学识越高，创作后劲也就越大。唐代山水家的学识越高，创作后劲也就越大，如“外师造化，中得心源”，“搜尽奇峰打草稿”均提倡到生活中去，到实践中去。
欣赏中国山水画我觉得应该首先了解中国山水画的内在精神，中国山水画是中华民族艺术知会的宝贵结晶，是灿烂的中华文化的一个重要组成部分，在它自身发展的过程中，逐步地形成了一个完整的独立的艺术体系，所以民族性是中国山水画最显著的特征之一，中国山水画体现了中国人特有的审美情趣，即简练，恬静，含蓄和韵律等。
其实山水画从一开始就与其它的道家，佛家，儒家有关，佛家的禅宗对中国山水画的创作影响也是值得讨论的，它没有连续性和次序性，认定在精神上能够出现自发性的领悟，这种领悟实际上是对人世解忧的解脱和心理障碍的排除，而这些又恰恰是中国山水画家们孜孜以求的。
佛家是对中国文化影响最大的思想体系，孔子最早提出“仁者乐山，智者乐水”，是以道德价值来评价山水，但是这种对大自然的审美追求，客观上已超出了道德的范畴，其中的中和之美构成了中国传统山水画感情含蓄，气息平和的总体风格。
儒佛道的自然观影响于山水画共同点有三个：一是取法自然，用于自然的统一，二是静态与动态的统一，三是客观世界与主观世界的统一。中国山水画深刻的思想内涵是与中国古典哲学有着直接的因果关系。绘画不能没有哲学思考，没有哲学思考的绘画是没有灵魂的绘画。
作山水画须先胸有丘壑。“意在笔先”是中国画构图的特点，落笔后应意到笔随。我们不能忽视道家这里的深远影响，传统中国画家长期艺术实践中都自觉和不自觉地受到潜移默化的熏陶。作画在落笔时就应考虑各种阴阳关系，加以对比此和谐的处理，如方圆，横直，点线，刚柔，浓淡，冷暖，轻重，虚实等等。山本静，水流则动；石本顽，树活则灵”正所谓山水之静动，顽与灵，均是大自然中存在的各种阴阳节奏关系，作为山水画家如果不自觉到自觉地运用这些关系，笔下可如神助。
接下来，再谈谈中国画的艺术特点吧。
一、形与象通，意与形合。形与象通，意与形合是中国画造型的基本要求。形，指外形、轮廓，是中国画传神达意的主要要素。象，指自然客观存在的万物形象或作画者在绘画作品中创造的艺术形象，即作画者追求神似而不追求形似，是概括化、艺术化的形。形、轮廓是中国画造型不可缺少的主要依据，师法自然中的形，经过作画者思想的提炼和加工，创造“似与不似”之艺术的“形象”，形与象；意，指绘画作品的思想内容、作画者的构思设想和创作意图。它具有三方面的意义：（1）、作画者主观的意，即绘画的立意（2）、画面形象所体现的意。（3）、绘画对象的意。作画者的立意是主观的，绘画对象
的意是客观的，画面形象的意是作画者师法自然，熔铸丹青，抒写胸臆的艺术结晶，这种意是建立在形的基础之上的，遗物象而取意取神，但舍形不能求意。中国绘画的艺术形式美是为了表现“神似”，这“神”是一种意，即作画者对物象本质的认识、审美的感受。
二、境与性会，因心造境。意境是中国传统美学的范畴，是自我与自然自然的高度融合。境，是画面中有情趣的自然景象。性，是作画者的性情、兴趣喜好、习性。境与性会是指画境要与作画者的性情合一，达到情境交融的地步，意即客观的自然景物与作画者的性情有机地结合起来，有如水乳交融，浑然一体，兴会神交；因心造境是作画者按自己的理想所描绘出的生活图景，这个图景是现实生活中所没有、或少有的，是作画者虚拟出来的虚幻飘渺的艺术境界，是作画者“心造”之境。
三、心师造化。心师造化是中国画创作的生活源泉，指作画者用心灵去师法和感悟客观事物的内在精神风采，获得艺术素材，并依自己的审美判断，进行分析研究，在自己的思想情感的熔炉中加工改造。心师造化是以自然为师，通过“目识心记”或是写生自然物象，概括提炼物象的基本特征，按一定的构图规律重新组合物象，创造一种有意味的意境。心师造化的艺术特点是中国画创作必须要遵循的准则。
四、以诗入画。以诗入画是中国画意境的追求，自唐代王维在画中把这两方面有机地结合起来以后，北宋的苏轼极力的推崇王维“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。”认为王维创造了一种他人所不能及的意境。同时提出“诗画本一律，天工与清新（北宋·苏轼）”的艺术观点。宋代画院还以诗意画作为招画院画师的考题，形成了以诗入画的风气。后世的画家，特别是山水、花鸟画家都自觉地把诗意融入画中。“诗中有画，画中有诗”成为品评中国画的一个重要的标准，还以画中是否具有富于诗意的意境，作为评价中国画雅与俗、优与劣的文野之分。画中诗意的创造，含蓄而耐人寻味，其独特韵味是中国画所独有的。
五、中国画的艺术表现语言是点、线、面的组合。点、线、面是中国画最基本的表现语言，以线为主，点、面为辅，以线造型，以线传情。线作为中国画表现的载体，其特定的表现手段在原始的崖画中就已经有了。它除了作为造型手段之外，它还带有人的主观感情因素，性格化的线条中包含着作画者们的审美情感、学识修养以及对世态的观点和看法。自然之中，没有纯粹的点、线、面，是作画者们经过主观的抽取、概括后融入情思而来的，点、线、面是抽象化的外在表现形式，通过三者的有机组合创造一种和谐、舒适、美好的画面意境。
结束语：中国画的历史是为了承前启后，我们应齐心协力，使中国画这个传统的画钟更加繁盛。美术鉴赏有益于大学生灵魂的雕铸和人格的完善。人的全面发展，包括智力、体力、思想、道德、意志、信念、情感等各方面，全面发展是一专多能的素质型发展。大学生美术鉴赏作为美育的一种手段，在促进大学生灵魂雕铸和人格完善的全面发展中起着重要的作用
